ExposMonde9 : ETATS UNIS - NEW YORK Metropolitan Museum of Art : "Giorgio Morandi "


Actuellement	ETATS UNIS - NEW YORK : Metropolitan Museum of Art "Giorgio Morandi " Du 16 septembre au 14 décembre 2008
Giorgio Morandi " Nature Morte " -1920 Huile sur toile 60, 5 x 66,5 cm © Coll. Part. © ADAGP	Giorgio Morandi est sans doute l'un des plus grands peintres du XXème siècle et l'un des maîtres de la nature morte et du paysage dans la tradition de Chardin et de Cézanne. Cette exposition qui réunit près de 110 oeuvres du maître italien : peintures à l'huile, aquarelles, dessins, et gravures, est la première grande rétrospective consacrée à cet artiste aux Etats-Unis. Giorgio Morandi (1890-1964), né à Bologne, est l'aîné de cinq enfants. Il passe son enfance dans l'ancien Palais Bosisio de Bologne, détruit plus tard lors de la seconde Guerre Mondiale. Il a à peine seize ans lorsqu'il entame une carrière commerciale auprès de son père, mais il s'inscrit très vite à lEcole des Beaux-Arts, car il manifeste déjà un véritable intérêt pour la peinture. Après la mort du père en 1909, sa famille s'installe au 36, Via Fondazza dans le complexe du couvent de Santa Cristina, près de la Maison Carducci. C'est ici que Giorgio Morandi, alors âgé de vingt ans, passera toute sa vie. Dès 1910, dans le cadre de l'Académie des Beaux Arts, il recherche son style, mais il est très marqué par les oeuvres des peintres du Quattrocento comme Giotto, Piero della Francesca, Uccello, Masaccio, mais il fait surtout aussi la découverte de Cézanne. Dès 1913, ayant obtenu son diplôme de l'Ecole des Beaux Arts, ses centres d'intérêts, tels que les peintures de paysage, changent. Il s'intéresse à une nouvelle peinture, au travers les contacts qu'il noue à partir de janvier 1914 avec les artistes " Futuristes ", tels que Osvaldo Licini, Mario Bacchelli, Giacomo Vespignani et Severo Pozzati Il se joint alors à eux lors de plusieurs expositions ce qui l'amène au printemps 1914, à exposer à la Première Exposition Libre Futuriste, organisée par la Galerie Sprovieri de Rome. Peu de temps après, il est engagé par la ville de Bologne comme enseignant à l'école élémentaire en arts plastiques. Il exercera ce métier jusqu'en 1929. En 1915, il est appelé sous les drapeaux, en raison de la guerre, mais après un mois et demi il tombe gravement malade et est réformé. Cette période jusqu'en 1918 le conduit à une réflexion sur son art et il est en même temps très impressionné par les oeuvres de Carlo Carrà et de Giorgio de Chirico, qui apportent une nouvelle dimension à la peinture, celle d'une réflexion à la fois poétique et métaphysique. Il produit à la suite de cette rencontre un ensemble de natures mortes fortement marquées par cette démarche introspective, à la fois poétique et conceptuelle. ll entre par là dans une intense participation au débat d'un art italien qui se confronte alors au reste de l'Europe. Mais son enthousiasme de jeunesse s'évanouit rapidement dans la confrontation futuriste de laquelle il s'éloigne rapidement.
Giorgio Morandi © ADAGP
A partir de 1920, Morandi semble vouloir se refermer sur lui-même et se consacrer à ses propres recherches picturales et poétiques. Ses participations aux expositions diminuent sensiblement, tandis qu'en 1930, la chaire des Techniques de Gravure de l'Académie des Beaux-arts de Bologne lui est confiée . Morandi y enseignera pendant 26 ans. Peu dévénements, en dehors de quelques expositions internationales, ponctueront désormais sa vie artiste retranché dans la peinture. En 1939, à la Quadriennale de Rome Morandi reçoit un second prix de peinture. soutenu dans son travail par Roberto Longhi, Lamberto Vitali, Cesare Brandi, Giulio Carlo Argan, Giuseppe Marchiori, Duilio Morosini et les jeunes de la revue Corrente. La Seconde Guerre Mondiale éclate. En 1940 l'Italie entra en guerre et Morandi est contraint de se retirer avec sa famille dans le village de Grizzana. Il poursuit là sa démarche et sa réflexion sur son art. La guerre finie, sans doute sur la lancée de la Quadriennale de Rome, les manifestations de reconnaissance à l'égard de ses oeuvres se multiplient : il reçoit le premier prix à la Biennale de Venise en 1948, le premier prix pour la gravure en 1953 et pour la peinture en 1957 à la Biennale de São Paulo au Brésil. D'importantes expositions lui sont également consacrées : à la Galerie La Palma de Rome en mai 1945, à la Chalcographie Nationale de Rome en 1948 pour ses gravures, au Gemeentemuseum de l'Aja et aux New Burlington Galleries de Londres en 1954, au Kunstmuseum de Winterthur en 1956, puis à la World House Gallery de New York en 1957 et en 1961, et enfin à Siegen en 1960, où il lui est attribué le Prix Rubens.Giorgio Morandi est malade depuis plus d'un an, lorsqu'il décède le 18 juin 1964, dans sa chère ville de Bologne quil navait jamais abandonnée, à l'âge de 74 ans.Cette consécration lui vaut aussi des témoignages d'admiration du cinéma italien d'après guerre, avec des metteurs en scènes comme Zavattini, De Sica, Visconti qui souhaitait le voir travailler avec lui pour son film "Locandiera" en 1952, comme Fellini qui expose ses tableaux dans le film "La Dolce Vita" en 1960, ou Antonioni dans "La Nuit" en 1961. Giorgio Morandi ne peut être réellement identifié ou lié à une école de peinture spécifique. Bien sûr, il y a l'influence de Cézanne auquel il emprunte la densité des couleurs et des formes, mais il s'engage aussi dans une approche personnelle très forte, marquée par une sensibilité formelle subtile et raffinée, tant au travers ses paysages que dans ses natures mortes très travaillées par les innombrables nuances de ses couleurs et par leur dessin, conduisant le spectateur à une contemplation introspective, dans la suite des oeuvres des artistes de la Renaissance italienne. Les natures mortes constituent la partie la plus importante des travaux et des oeuvres de Giorgio Morandi. Elles représentent le plus souvent un ensemble d'objets rangés de manière précise, pots, vases, bouteilles, auxquels se mêlent parfois un fruit ou un coquillage, posés avec méticulosité sur une étagère ou une table, pour être observés dans leurs moindres détails et peints en couleurs monochromes avec une précision géométrique, mais peut-être aussi comme un engagement à une réflexion philosophique sur le silence, la simplicité, l'esthétique ou la distanciation à tenir face au monde. Metropolitan Museum of Art (LMDA)