EXPOSITIONS PASSEES
MONDE
Année 2004

ALLEMAGNE

KARLSRUHE : Kunsthalle
" Eugène Delacroix : rétrospective "
Du 8 novembre au 1er février 2004 "

Le Musée des Beaux-Arts de Karlsruhe rend hommage à Eugène Delacroix (1798-1863) en présentant actuellement l'une des plus grandes expositions jamais consacrées en Allemagne au maître du romantisme français.
Plus de 220 oeuvres, peintures, dessins, aquarelles et gravures en provenance de plusieurs musées européens et américains, mais aussi de quelques collections particulières ont été réunies pour donner un aperçu du parcours et de l'oeuvre de Delacroix, et le faire connaître davantage au public allemand.

Cette exposition couvre tout le parcours du maître français et développe ses thèmes les plus chers autour de son fameux voyage au Maroc de 1832, au cours duquel il découvre la lumière et d'où il raménera de nombreux croquis, études, esquisses et aquarelles qui lui permettront de réaliser par la suite ses oeuvres orientalistes . C'est ainsi que l'on découvrir des dessins tels "Noces juives au Maroc", "Danseurs arabes", "Maure assis", mais aussi des oeuvres majeures telles que"Kaïd, chef marocain" de 1837,  " La Chasse aux lions" , "Jeune tigre jouant avec sa mère" de 1830.
Une partie de l'exposition est également consacrée aux illustrations de Delacroix pour les oeuvres de Goethe , le" Faust" en 1828, de Shakespeare, "Hamlet" en 1843 , tandis que par ailleurs des oeuvres telles que "Le combat du Giaour et du Pacha" de 1835, ou encore "Apollon vainqueur du serpent python" de 1851, traduisent par leurs couleurs violentes la lutte de Delacroix contre sa maladie pulmonaire.
Enfin des oeuvres plus tardives, comme "La mer à Dieppe" de 1854, ou "Paysage près de Baden-Baden" de 1855, sont également présentées dans le soucis de souligner l'évolution de sa technique qui avec des successions de touches annonce l'admiration que les impressionnistes lui porteront quelques années plus tard.

Illustration : E. Delacroix : "Femmes d'Alger dans leur appartement  (détail) 1834 - Huile sur toile -180 x 229 cm  © Musée du Louvre Paris

Dossier Delacroix

(LMDA)

AUTRICHE

VIENNE : Osterreichische Galerie du Belvedère
" Fritz Riedl - Rétrospective "
Jusqu'au 22 février 2004 "

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Cette importante exposition présente l'oeuvre de Fritz Riedl, le plus grand maître autrichien de la tapisserie moderne.
Né à Vienne en 1923, Fritz Riedl étudie de1938 à 1939, puis de 1945 à 1947à l'Ecole des Beaux Arts de Vienne .
En 1948 il découvre l'art de la tapisserie, un art auquel il décide ensuite de se consacrer presque exclusivement.
Les tapisseries de Fritz Riedl rencontrent rapidement un grand succès. Invité à participer à  la Biennale de Venise en 1954, il accède à une reconnaissance internationale, qui lui permet de participer à de nombreuses expositions dont celle de Sao Paulo en 1963 qui consacre son oeuvre.
De 1967 à 1976 Fritz Riedl décide de résider au Mexique, à Guadalajara où il a établi ses ateliers de tapisserie, tout en faisant des conférences à l'université. Nommé professseur en 1976 à l'Université des Arts à Linz en Autriche où il a fondé l'Institut pour la Conception de Textile, il dirige cet établissement jusqu'à sa retraite en 1991. Depuis lors Fritz Riedl, qui vient de célèbrer son quatre- vingtième anniversaire réside et travaille à la fois entre le Mexique et Linz.

Tandis que traditionnellement les tapisseries reproduisent des images de différentes sources figuratives, chez Fritz Riedl, dès ses débuts, ses sources d'inspiration sont des figures abstraites ou des formes géométriques. Avec les années 1950, son inspiration évolue vers des représentations dominées par une inspiration d'ordre vegetal ou par les couleurs et les flammes du feu, donnant des formes que l'on dirait inspirée de l'art informel ou du tachisme.
La symbiose entre les formes abstraites et les représentations colorées et matérielles constituent les caractéristiques essentielles et inimitables de son oeuvre et caractérisent l'oeuvre d'un des plus grands maître contemporains de la tapisserie moderne.

Illustration : Fritz Riedl : " Composicion Escudo " - 2003  -  © Coll.Part.

MONTREAL : Musée des Beaux Arts
" Jean Cocteau, l'enfant terrible"
Du 06 mai 2004 au 29 août 2004

Cette exposition présente la plus grande rétrospective jamais consacrée au Canada au poète français, 40 ans après sa mort.   Elle réunit plus de  700 oeuvres, dont des dessins, des photographies, des manuscrits, des sculptures, des objets, et des documents audiovisuels inédits, qui illustrent de manière complète les diverses facettes de Cocteau, écrivain, dramaturge, poète, dessinateur d'exception et cinéaste admiré, qui fut sans doute l'un des créateurs les plus féconds du milieu du XXème siècle.
Figure majeure de la vie culturelle de son époque, Jean Cocteau incarne au-delà de l'image réductrice de sa disparité et de sa créativité diversifiée, toutes les contradictions et la complexité de sa  personnalité artistique, mais aussi celles de son temps.
Cette exposition  met en scène l'homme rendu célèbre par ses apparitions dans l'actualité culturelle et mondaine de l'après-guerre et l'artiste qui reste finalement encore assez méconnu dans la diversité de son oeuvre.

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Sanford Roth :
" Portrait de Jean Cocteau "
© Coll. Part. © ADAGP   Paris.

Ce sont 335 dessins, 300 photographies, 22 tableaux d'artistes majeurs du siècle qui l'ont célébré, des manuscrits, des sculptures et des extraits de films et de documents qui illustrent là, le parcours et la personnalité de l'artiste et du cinéaste auteur du "Sang d'un poète",
d' "Orphée", du "estament d'Orphée", des "Enfants terribles", de "La Belle et la Bête", des "Parents terribles", ce qui permet de découvrir une oeuvre somplexe et multiple, souvent novatrice et parfois engagée.
Car Jean Cocteau est un homme qui entretient et exploite les contraires pour les rapprocher. A la fois  moderne et classique, révolutionnaire et conservateur, il est au centre d'une galaxie d'artistes les plus divers, qui lui permet de se lier d'amitié avec Picasso, de s'opposer à André Breton et à André Gide, de rencontrer Jean Marais, mais aussi Edith Piaf et  Coco Chanel  de se faire peindre ou  photographier par Kisling, Picasso, Modigliani, Delaunay, Man Ray, ou Andy Warhol, d'admirer Chirico, et Stravinsky, dans un croisement  des personnalités artistiques et de disciplines qui s'influencent entre elles en permanence.

L'oeuvre de Cocteau  a résisté aux modes successives, et il demeure l'un des tout premiers artistes du XXème siècle pour qui le temps fût un matériau artistique dans son éphémère et son inacessible, et par la volonté qu'il voulut à vouloir tout vivre.

(LMDA)

CHINE

MADRID : Musée du Prado
" Edouard Manet "
Du 6 octobre au 11 janvier 2004
>>> Prolongation jusqu'au 08 février 2004

Cette exposition se consacre pour plus d'un tiers des oeuvres présentes, à Edouard Manet et à sa "manière espagnole" en référence à Diego Vélasquez.
Diego Vélasquez (1599-1660), en effet est la référence la plus élevée en matière artistique, pour les peintres français du milieu du XIXème siècle, et en particulier pour Manet, car son oeuvre inaugure en effet une nouvelle vision plus libre de la peinture, plus proche de la vie, et de la réalité des hommes.
On admire beaucoup alors dans son ensemble la peinture espagnole, Murillo, de Ribera, Zurbaran, mais avant tout Goya, qui apparait alors comme l'artiste qui concrétise le mieux la transition entre le classicisme espagnol et la peinture moderne. Cette influence s'exerce   fortement sur la manière de peindre des artistes français comme Delacroix, Millet, Corot, Courbet, Degas et quelques autres, comme Ribot, Legros, Carolus-Duran ou Bonnat, mais surtout sur Edouard Manet (1832-1883) qui compose durant sa vie de nombreuses peintures où apparait avec vigueur cette admiration qu'il vouait à la peinture espagnole.

Cette exposition met en regard les oeuvres des artistes contemporains d' Edouard Manet, avec celles des artistes espagnols les plus admirés à cette époque, pour montrer la véritable fascination des artistes français pour cette nouvelle manière de peindre. Ainsi parmi les oeuvres importantes de quelques grands maîtres, quelques tableaux de Francisco de Goya, héritier direct de Vélasquez dominent en nombre, pour montrer les filiations et les influences immédiates que l'on trouve de lui, par exemple chez Eugène Delacroix, mais surtout dans plusieurs oeuvres majeures d'Edouard Manet.

lllustration : Edouard Manet  : "Le Chanteur Espagnol"  1860 Huile sur toile 147,3 x 114,3 cm
© Metropolitan Museum  New York

voir dossier " Edouard Manet "

(LMDA)

NEW YORK : Musée Guggenheim
" Brancusi : l'essence des choses "
Du 11 juin au 19 septembre 2004

Après son passage à la Tate Britain de Londres, cette exposition gagne New York et le Musée Guggenheim, pour honorer une nouvelle fois Constantin Brancusi (1876-1957), qui fut l'un des artistes majeur de la sculpture moderne et l'un des plus originaux du vingtième-siècle.
Son abstraction et son primitivisme qui sont présentés ici selon les étapes de son évolution, attestent qu'il fut un artiste aussi important dans le développement de l'art moderne que l'aura été Picasso pour la peinture.
Cette exposition réunit plus d'une trentaine de sculptures de Brancusi qui sont aujourd'hui largement reconnues comme des icônes du modernisme en matière d'art.
Le choix de Brancusi s'est porté sur des matériaux tels que le marbre, la pierre à chaux, le bronze mais aussi le bois, et son expression l'a consacré, dans sa recherche des lignes les plus pures, comme l'un des principaux artistes d'avant-garde, en matière de sculpture. Ami proche de Modigliani et de Marcel Duchamp, son travail a largement inspiré de nombreux sculpteurs contemporains tels Barbara Hepworth , Karl Andre, Donald Judd entre autres. Brancusi est né en Roumanie en 1876 et étudie à l'Ecole des Beaux Arts de Bucarest à partir de 1902 . En 1904 il vient à Paris, où  il rencontre Auguste Rodin qu'il admire, mais avec qui il refuse de travailler, car "Rien, dit-il, ne pousse à l'ombre des grands arbres". Encouragé par lui, il commence dès 1907 sa quête d'une recherche des lignes les plus simples pour transcrire sa représentation des figures, et en arriver jusqu'au point de l'abstraction. Sa recherche des formes et des lignes pures sont pour lui les mobiles de son art et de son évolution.

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Brancusi  dans son atelier
vers 1933 -1934 ©

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Brancusi : " Le Baiser " 1907
H : 28, L : 26, P : 21 cm
© Musée d'Art Moderne Cracovie
© ADAGP - Paris

Cette exposition démontre ce caractère essentiel de l'oeuvre de Brancusi, qui n'aura de cesse au travers les différents matériaux ses thèmes et ses séries, de rechercher cette intégrité de la forme. C'est cependant dans le travail de la pierre et du marbre qu'il réalisera ses premières oeuvres les plus remarquables, telle "Le Baiser" en 1907, dans lequel Brancusi recherche aussi l'esthétique et le sens d'un équilibre fondamental entre les corps.
A partir de 1920, il se consacre à réaliser des sculptures de têtes épurées jusqu'à la réduction des détails pour aboutir à l'ovoïde le plus simple dans le bronze, tellela célèbre série de
" Melle Pogany".  Brancusi s'intéresse également  à la matière  que lui offre le bois . C'est ainsi qu il réalise "Adam et Eve", puis "Socrate" et "Torse de Jeune Homme", " Le Coq" entre les années 1921 et 1925 par lesquelles, il crée des compositions où domine le soucis de l'équilibre des formes posées sur des socles travaillés en proportions.
A partir de 1928, il s'installe dans un nouvel atelier à la recherche d'un contexte de sérénité et de calme, pour une élévation quasi spirituelle qu'il semble vouloir donner à son travail. Il développe une thématique sur les oiseaux et les animaux en affinant toujours davantage les formes qu'il reprend sans cesse en les épurant, les simplifiant, au travers le travail du marbre du bronze et du bois. Des Suvres telles que "Le Grand Poisson" en 1930, "Le Coq"en 1935 réalisé en bronze sur socle de pierre et de bois, une nouvelle version du "Coq" de 1924 réalisé en noyer poli,  "Le Miracle", " le Phoque" en 1936, "La Tortue" en 1943, traduisent cette recherche progressive d'un sens transcendental qui caractèrise finalement l'ensemble de son oeuvre.
(LMDA)

Dossier Constantin Brancusi

NEW YORK : Metropolitan Museum
" Le Gréco, rétrospective"
Jusqu'au 29 janvier 2004

Cette grande exposition rétrospective rassemble quelques soixante dix des oeuvres du plus grand des peintres du XVIème siècle Domenikos Theotokopoulos, connu sous le nom de Le Greco (1541 -1614). Les oeuvres présentées couvrent l'ensemble de son parcours et de sa carrière, depuis ses origines en tant que peintre d' icônes dans son pays de naissance, La Crête, en passant par ses travaux réalisés à Venise et à Rome, jusqu'à son installation à Tolède en Espagne où il finira sa vie.
L'exposition organisée selon une présentation thématique, souligne plusieurs des aspects essentiels de son oeuvre, par une section consacrée par exemple à sa représentation des saints, dont le fameux "Saint Dominique en prière", et dont l'intensité psychologique des portraits fera l'admiration de Velázquez.

Une autre partie de l'exposition est dévolue au culte de la Vierge, une autre encore est consacrée à plusieurs de ses  immenses toiles représentant des scènes de l'histoire du Christ, dans lesquelles on peut déceler son engagement religieux et son adhésion aux thèses de la contre-réforme. D'autres parties de l'exposition soulignent d'autres aspects moins connus de son oeuvre, en particulier son travail de sculpteur, mais présente également ses travaux rares et peus connus consacrés aux sujets mythologiques.

Illustration : Le Gréco : " Saint Dominique en prière "  1585 - Huile sur toile 118 x 86 cm 
©  Coll.  Placido Arango Madrid

ETATS UNIS

NEW YORK : Metropolitan Museum
" La collection Winthrop"
Du 23 octobre au 11 janvier 2004

Grenville Lindall Winthrop (1864-1943), un riche avocat américain consacra une grande partie de sa vie à une seule passion qui fut sa collection d'art. Quelques 4000 objets d'arts, dont 850 tableaux et dessins qu'il avait acquis et collectionnés furent légués à sa mort au Fogg Art Museum de l'Université d'Harvard, selon ses propres souhaits à la condition que les étudiants de l'université où il avait lui même fait ses études, aient la possibilité d'admirer et de profiter à tout moment de ces oeuvres.

Les goûts et les choix de Grenville Lindall Winthrop portaient essentiellement sur les artistes du XIXème siècle, dans le but seul et unique de rechercher ce qui était pour lui l'expression de la beauté. Il s'intéressa beaucoup à la technique graphique en particulier, mais il aimait également  le symbolisme et l'univers fantastique. C'est ainsi qu'un thème comme celui de la "Divine Comédie" de Dante l'avait particulièrement intéressé, au point d'acheter des oeuvres de Blake et de Flaxman sur ce sujet. Il avait également fait l'acquisition d'oeuvres de Gustave Moreau et de préraphaélites. Il aimait également les portraits et fit l'achat d'oeuvres de Courbet, de Rossetti, de Van Gogh, de Toulouse Lautrec, ainsi que les nus de David, Géricault, Burnes-Jones, Ingres. Il avait pu également faire l'acquisition d'un croquis préparatoire de David au fameux "Sacre de Napoléon" ainsi que celui d'un lavis du "Radeau de la Méduse " de Géricault.

Après avoir été présentées en France à Lyon et puis à Londres, cette exposition exceptionnelle, revient aux Etats-Unis. C'est la toute première fois que la collection Winthrop avait quitté Harvard, pour cause de travaux, et sans doute la dernière fois avant très longtemps, et qu'elle ne revienne définitivement au Fogg Art Museum. Ce sont 135 oeuvres, dont de nombreux dessins qui ont traversé durant l'année l'Atlantique pour trouver place ici encore pendant quelques semaines, avant que de retrouver Harvard.

Illustration : Dante Gabriel Rossetti : "Beata Beatrix"  -1862-1869 - Huile sur toile  - 86,6 cm x 66 cm
© Tate Gallery - Londres

(LMDA)

GRANDE BRETAGNE - LONDRES : Tate Modern
" Edward Hopper"
Du 27 mai au 05 septembre 2004

Cette grande rétrospective consacrée à Edward Hopper (1882-1967) couvre sur plus d'un demi siècle toute l'évolution  artistique de l'un des plus grands maîtres américain du réalisme, en cherchant à démonter la permanence des thèmes dominants de son oeuvre, que furent ceux de la solitude, de la lumière, de la situation psychologique, et son évolution à partir des années 50 vers une peinture réduite à une expression minimaliste.
Edward Hopper qui a séjourné à plusieurs reprises à Paris, entre 1906 et 1910, découvre en France la peinture d'avant-garde, qui l'aidera à construire un style et une lumière, dans des oeuvres de jeunesse dans lesquelles déjà le sujet de la solitude, apparait comme un thème dominant qui ne la quittera pas. Fuyant le futurisme, le fauvisme ou le cubisme, ses tableaux ne cherchent pas à se joindre à la modernité : il réalise des peintures sur toile, dans lesquelles les couleurs deviennent peu à peu plus lumineuses sous l'influence des impressionnistes, telle dans son "Après-midi de juin ou l'après-midi de printemps". Il peint des scènes d'une ville sans habitant, comme dans la volonté de ne retenir que la vision purement architecturale et visuelle des lieux : "Le pont des Arts" de 1907, "Le Quai des Grands Augustins" de 1909, "River Boat" de 1909. Ces toiles montrent une cité dont les signes de reconnaissance s'estompent, ou ne se réduisent parfois qu'à une silhouette, comme pour souligner davantage encore cet effet de solitude.

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Edward Hopper :
" Chambre d'hôtel à Brooklin" - 1932 -
Huile sur toile 152,5 x 165 cm
© Museum of  Fine Art
Boston

C'est à partir de 1924 que sa carrière prend essor, grâce à unepremière grande exposition, puis par une seconde au Musée d'Art Moderne de New York en 1933 qui l'introduit dans le cercle des peintres réalistes de l'Amérique moderne, qui ménera dans les années soixante au pop art et à l'hyperréalisme. Ses toiles se plaisent à souligner la solitude des individus dans la froideur des villes, montrent des maisons vidées de leurs habitants, ou des êtres abandonnés à leurs pensées dans leurs chambres d'hôtel ou dans des pièces vides aux couleurs sombres, comme dans "Nighthawks" de 1942, où  une femme et trois hommes occupent le comptoir d'une cafeteria déserte, dans des postures figées qui soulignent une mélancolie silencieuse.
D'autres oeuvres peignent de la même façon, des scènes de personnages écrasés de solitude tel "New York Interior", de 1921, ou comme dans l'une des plus célèbre de ses toiles "Summertime" de 1943).
Edward Hopper certes a peint d'autres sujets, tel que peut le montrer cette exposition, comme des paysages, des bords de mers, des demeures cossues, des rues de villes, des fenêtres,  mais tous ces tableaux et même ses autoportraits démontrent cette constante représentation de l'isolement, et d'une vision existentialiste de l'individu, comme perdu, sans communication, et comme seul au monde. 
Celle solitude est un thème qui appartient depuis longtemps au langage cinématographique, mais qui a souvent trouvé son inspiration dans la manière dont Hopper a traité le jeux de l'ombre et de la lumière dans ses tableaux. Alfred Hitchcock rend hommage par exemple à Edward Hopper  dans un film comme   "Psychose", ou par exemple Wim Wenders, dans "La fin de la violence", qui reconstitue par exemple la scène de "Nighthawks". Cette exposition est donc à voir abolument dans le contexte, où cela fait plus de vingt ans, qu'aucune exposition d'une telle importance avait été proposée pour un peintre considéré comme l'un des plus grands artistes modernes américain.

( LMDA)

LONDRES : The Tate Modern
" Brancusi : l'essence des choses "
... Jusqu'au 23 mai 2004

Constantin Brancusi (1876-1957) est l'un des artistes majeur de la sculpture moderne et l'un des plus originaux du vingtième-siècle. Son abstraction et son primitivisme qui sont présentés ici selon les étapes de son évolution, attestent qu'il fut un artiste aussi important dans le développement de l'art moderne que l'aura été Picasso pour la peinture.
Cette exposition réunit plus d'une trentaine de sculptures de Brancusi qui sont aujourd'hui largement reconnues comme des icônes du modernisme en matière d'art.
Le choix de Brancusi s'est porté sur des matériaux tels que le marbre, la pierre à chaux, le bronze mais aussi le bois, et son expression l'a consacré, dans sa recherche des lignes les plus pures, comme l'un des principaux artistes d'avant-garde, en matière de sculpture. Ami proche de Modigliani et de Marcel Duchamp, son travail a largement inspiré de nombreux sculpteurs contemporains tels Barbara Hepworth , Karl Andre, Donald Judd entre autres. Brancusi est né en Roumanie en 1876 et étudie à l'Ecole des Beaux Arts de Bucarest à partir de 1902 . En 1904 il vient à Paris, où  il rencontre Auguste Rodin qu'il admire, mais avec qui il refuse de travailler, car "Rien, dit-il, ne pousse à l'ombre des grands arbres". Encouragé par lui, il commence dès 1907 sa quête d'une recherche des lignes les plus simples pour transcrire sa représentation des figures, et en arriver jusqu'au point de l'abstraction. Sa recherche des formes et des lignes pures sont pour lui les mobiles de son art et de son évolution.
Cette exposition démontre ce caractère essentiel de l'oeuvre de Brancusi, qui n'aura de cesse au travers les différents matériaux ses thèmes et ses séries, de rechercher cette intégrité de la forme. C'est cependant dans le travail de la pierre et du marbre qu'il réalisera ses premières oeuvres les plus remarquables, telle "Le Baiser" en 1907, dans lequel Brancusi recherche aussi l'esthétique et le sens d'un équilibre fondamental entre les corps.

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Brancusi  dans son atelier
vers 1933 -1934 ©

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Brancusi : " Mademoiselle Pogany III "
Bronze poli 1933
H : 48, L : 20, P : 27 cm
© Musée National d'Art Moderne
Centre Georges Pompidou Paris
© ADAGP - Paris

.A partir de 1920, il se consacre à réaliser des sculptures de têtes épurées jusqu'à la réduction des détails pour aboutir à l'ovoïde le plus simple dans le bronze, tellela célèbre série de
" Melle Pogany".  Brancusi s'intéresse également  à la matière  que lui offre le bois . C'est ainsi qu il réalise "Adam et Eve", puis "Socrate" et "Torse de Jeune Homme", " Le Coq" entre les années 1921 et 1925 par lesquelles, il crée des compositions où domine le soucis de l'équilibre des formes posées sur des socles travaillés en proportions.
A partir de 1928, il s'installe dans un nouvel atelier à la recherche d'un contexte de sérénité et de calme, pour une élévation quasi spirituelle qu'il semble vouloir donner à son travail. Il développe une thématique sur les oiseaux et les animaux en affinant toujours davantage les formes qu'il reprend sans cesse en les épurant, les simplifiant, au travers le travail du marbre du bronze et du bois. Des Suvres telles que "Le Grand Poisson" en 1930, "Le Coq"en 1935 réalisé en bronze sur socle de pierre et de bois, une nouvelle version du "Coq" de 1924 réalisé en noyer poli,  "Le Miracle", " le Phoque" en 1936, "La Tortue" en 1943, traduisent cette recherche progressive d'un sens transcendental qui caractèrise finalement l'ensemble de son oeuvre.
(LMDA)

Dossier Constantin Brancusi

LONDRES : Hayward Gallery
" Roy Lichtenstein "
Jusqu'au 16 mai 2004

La Hayward Gallery propose ici la plus grande exposition  depuis plus de trente cinq ans en Angleterre, consacrée à Roy Lichtenstein  (1935-1999 ) l'un des artistes majeurs du Pop Art américain . Au travers plus de quatre vingt peintures et dessins, cette retrospective couvre tous le parcours du peintre américain, depuis ses premières oeuvres, ou ses travaux inspirés des comics américains jusqu'à ses dernières réalisations beaucoup moins connues du grand public, composées de paysages, de scènes d'intérieur, de natures mortes ou de nus féminins.
A partir de 1961 Roy Lichtenstein fait sensation dans le monde de l'art aux Etats-Unis, lui qui avait débuté en peignant des oeuvres qu'il qualifiait lui même d'expressionisme abstrait, en réalisant des tableaux de grands formats largement inspirés des bandes dessinées populaires vendues dans les kiosques à journaux au coin des rues, extraits de certaines publicitéw, ou  reproduisant pour les détouner les personnages de Walt Disney. Andy Warhol à la même époque de son côté peignait des bouteilles de Coca Cola ou des boîtes de soupe Campbell. Tous deux représentaient alors cette nouvelle tendance du Pop Art américain, conduisant les journaux à se demander si l'un et l'autre étaient des artistes ou des imposteurs.

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Roy Lichtenstein
dans son atelier en 1991 ©

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" M - Maybe " - 1965 -
Huile sur toile 152,5 x 152,5 cm
© Musée Ludwig Cologne
© ADAGP - Paris

Les oeuvres de  Lichtenstein au cours des années soixante, sont composées de personnages de bandes dessinées aux traits lisses, comme " Masterpiece" de 1962 ou "In the car " de 1963, ou d'héroïnes aux cheveux blonds et aux lèvres soulignées de rouge, telle " M-Maybe" de 1965 ou encore de scènes de batailles aériennes telle " OK Hot Shot" de 1963 et sont concus comme des oeuvres immédiatement reconnaissables par le plus large public.
Elles sont alors les modèles d'un langage qui fait le lien au travers la frontière qui sépare le figuratif de l'abstraction : les visages, les scènes, les couleurs, les formes, les sujets sont chez lui des images iconiques et ironiques par lesquelles il cherche à s'opposer au cubisme et par lesquelles il prend distance avec l'art moderne américain et à ses instigateurs que furent Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Claes Oldenburg ou Larry Rivers.
Cette exposition convie le visiteur à découvrir le parcours d'un artiste qui évoluera ensuite vers des oeuvres  apparemment plus sereines composées de scènes d'intérieur inspirées et faisant référence à Matisse, telle cette huile intitulée " The dance" de 1974, mais toujours caractérisées par cette représentation de points et de traits comme dans les bandes dessinées bon marché regardées à la loupe.
Assurément Lichtenstein est un artiste déroutant et rassurant à la fois au travers son langage froid, neutre et distancié dans un premier abord, mais qui finalement traduit des émotions intenses et une représentation du monde, de la culture, de la guerre, et des hommes dans des situations où tout apparait irréel et fictif , comme dans les comics, la bande dessinée ou les mangas dans lesquels les lecteurs, les spectateurs, sont plongés dans le pur l'imaginatif, et où personne ne se sent surtout impliqué.

(LMDA)

GRANDE BRETAGNE

LONDRES : Royal Academy of Arts
" Edouard Vuillard
du Post - Impressionisme au Modernisme "
Du 31 janvier au 18 avril 2004

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Après avoir été présentée à Paris, New York et Montréal, cette rétrospective est la plus grande exposition qui n'a jamais été consacrée à Edouard Vuillard (1868-1940).
Ce sont quelques 230 oeuvres qui sont présentées, dont la majorité provient de collections particulières. Certaines n'ont jamais encore été vue par le grand public : des tableaux, mais aussi des panneaux décoratifs pour les intérieurs de maisons bourgeoises parisiennes,des affiches et des cartons de décors de théâtre davant-garde, des photographies des amis proches du peintre, que lartiste réalisa à partir de 1897.
Organisée chronologiquement, cette exposition donne au  visiteur la possibilité de découvrir loeuvre de Vuillard dans toute sa diversité et sa richesse. Grand admirateur des classiques - de Vermeer, Watteau et Chardin -, artiste inclassable comme ses amis Pierre Bonnard et Maurice Denis, et influencé comme eux par Paul Gauguin, Edouard Vuillard s'est intéressé à tous les mouvements de son époque sans appartenir à aucune école, fauve ou cubiste comme ses contemporains Henri Matisse ou Pablo Picasso.

Au travers les petits formats intimistes aux constructions colorées proches des Nabis, jusquaux portraits des années trente dans lesquels il annoncait les thèmes favoris qui seront ceux d' Edward Hopper plus tard, avec des scènes d' hommes et de femmes daffaires dans leurs bureaux.Edouard Vuillard, homme renfermé, qui apparaissait plutôt assez indifférent à son époque, peint dans une permière période de nombreuses scènes d'intérieurs, un genre qu'il affectionnait beaucoup.
Mais à partir de 1900, Edouard Vuillard abandonnr cette thématique, pour se consacrer à la découverte de la nature et des voyages. C'est ainsi qu'il découvre au travers un séjour en Suisse en particulier, sur les bordures du Rhin, et dans les campagne et les villages du Canton de Vaud, de nouvelles sources d'inspiration au travers des paysages qu'il réalise alors dans de nombreux tableaux où les couleurs deviennent vives et les portraits plus lumineux dans leur univers familier.

Edouard Vuillard qui s'interresse très tôt à la photographie, prend également beaucoup de plaisir à réaliser des clichés qu'il prendra par centaines, dans sa famille, mais également en extérieur, lesquelles lui servent d'aide-mémoire pour la réalisation de certaines de ses toiles. Un certain nombre de photos sont présentées également ici, avec notamment celles qui saisissent le visage de sa mère, dont il a peint souvent le portrait dans son atelier de couture ou les photos de ses amis Pierre Bonnard ou l'écrivain Tristan Bernard.
Cette imposante exposition s'attache à montrer ainsi une oeuvre beaucoup plus diversifiée et créatrice que celle que l'on retient communément de Vuillard, dont l'oeuvre intimiste domine il est vrai, et reste surtout célèbre pour ses scènes familiales où les personnages apparaissent comme figés dans des pièces lourdement décorées.

Illustration : Edouard Vuillard : " Lucie Hessel  devant la mer " - 1905  - Huile sur panneau  22 x 22 cm -
© Coll.Part. © ADAGP, Paris.

ITALIE

FLORENCE : Palazzo Strozzi
"  L'inquiétude et la grâce : Botticelli - Lippi:"
Jusqu'au 11 juillet 2004

Sandro Botticelli  :
" La Vierge à l'enfant avec Jean-Baptiste" 1495 - Huile sur toile 134 x192 cm
© Palazzo Pitti - Florence

C'est à l'occasion du 500 ème anniversaire de la mort de Filippino Lippi (1457-1504),  que le Palazzo Strozzi rend hommage à cet artiste majeur de la Renaissance  ainsi qu'à son maître et ami, Sandro Botticelli (1445-1510), en réunissant pas moins de 60 peintures et dessins, pour constituer l'une des plus importante exposition de ces dernières années consacrée à cette période de l'art italien .
Des oeuvres de Leonard de Vinci, de Ghirlandaio, de Pollaiolo, de Piero di Cosimo et de divers autres artistes complétent cette présentation, et illustrent la fécondité artistique de cette renaissance florentine de Laurent de Médicis, dit " le Magnifique ", lexcommunié, mais aussi le protecteur de nombreux artistes.
Nous sommes également à l'époque de Savonarole, le moine prédicateur, contempteur des mSurs de son temps et plus particulièrement de la cour des Médicis, transformé en chef politique, qui sera excommunié à son tour, puis pendu et brûlé.

Boticelli était le peintre des Médicis, formé par Fra Filippo Lippi, il se dégagera rapidement de linfluence dun Pollaiolo pour construire une Suvre célébrant la pureté des corps dans leurs formes éthérées et sensuelles.
Lidée maîtresse de cette exposition est de présenter les différentes influences entre ces artistes autour dun thème commun et de montrer le tournant survenu dans lhistoire de la peinture de la Renaissance.
C'est ainsi que pour la première fois depuis plus de cinq siècles, "Le Banquet nuptial", qui constitue le quatrième tableau de "La storia di Nastagio degli onesti", un épisode du Decameron de Boccace, et peint par Botticelli en 1483, est présenté au public. Les trois autres tableaux conservés par le Musée du Prado à Madrid n'ont toutefois pas pu être réunis à Florence.

Dossier Botticelli

(LMDA)

MDINA : Musée de la Cathédrale
" Dessins retrouvés des Maîtres de la Renaissance" 
Du 27 mars au 30 juin 2004

Cette exposition exceptionnelle réunit une sélection d'oeuvres retrouvées de Maîtres de la Renaissance, en provenance de la collection de la Cathédrale de Mdina, dont une première exposition avait été réalisée à l'automne dernier.
C'est en effet la première fois que ces dessins et encres , une trentaine d'oeuvres, uniques, sont en effet présentées,  lesquelles n'ont jamais été vues ni par le grand public ni par les spécialistes. Retenues depuis plus d'un siècle et demi dans les archives de la Cathédrale, ces oeuvres proviennent d'un don qui avait été fait à l'église par le Comte Saverio Sarchesi ( 1757-1833), dans la première moitié du XIXème siècle.

Et c'est par le hasard d'une exposition réalisée durant l'année 2003, par le peintre Guiseppe Schembri Bonaci dans les murs du Musée de la Cathédrale, que l'artiste a eu l'autorisation exceptionnelle de la hierarchie religieuse pour accéder aux archives et y découvrir là des gravures et dessins inconnus de Michelange, de Van Dyck, de Rubens, de Rembrandt, de Tiepolo, de Annibale  Carrache, et de grands artistes contemporains de ces Maîtres tels que : Sabastiano del Piombo, Ciro Ferri, Federico Zuccherri, Giorgio Vasari ou encore Luca Cambiaso.
Le but de cette exposition, au travers les oeuvres sélectionnées par Guiseppe Schembri Bonaci dans les archives de la Cathédrale, est de provoquer une discussion entre les spécialistes pour identifier de manière certaine et dater précisément toutes les oeuvres, conservées dans ces lieux, créer une approche comparative de celles-ci  pour une attribution précise de certaine d'entre -elles à tel ou tel maître, et de créer également un dialogue entre le public et les spécialistes au travers l'exposition exceptionnelle de ces travaux.
Elle a pour but également d'interpeller les experts internationaux quant à l'existence de ces chefs d'oeuvre retrouvés, et de poser la question de la présentation des ces oeuvres pour compléter la connaissance que nous avons aujourd'hui des influences entre les artistes de cette période de l'histoire artistique de l'Italie, et celle de la conservation et de la protection de ces oeuvres.

Illustration : Dessin - Collection  du Musée de la Cathédrale de Mdina - Malte - 
© Mdina Cathedral Museum - Malte.

SUISSE

BALE- RIEHEN : Fondation Beyeler
" Mark Rotkho "
Jusqu'au 12 avril 2004

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A l'occasion du centenaire de la naissance de Mark Rothko, qui aurait eu cent ans le 25 septembre dernier, la Fondation Beyeler présente une nouvelle fois ses Rothko Rooms dans quatre salles du Musée.
Avec cette nouvelle présentation, la Fondation veut donner  un aperçu représentatif de toutes les étapes de l'oeuvre de l'artiste, avec en particulier une salle réservée aux Black on Gray Paintings réalisées au cours des derniers mois de l'activité artistique de Rothko de 1969 à 1970.
Ces dernières oeuvres à la différence des périodes précédentes, comme les Seagram et les Harvard Murals ou encore les toiles destinées à la Rothko Chapel, n'ont pas été composées pour un projet décoratif d'ensemble . Dans ces peintures, c'est la première fois que Mark Rothko utilise la peinture acrylique.

Ces derniers tableaux contrastent avec tout ce quil a pu faire précédemment, par des compositions divisées souvent en deux tranches horizontales, et des formes qui mettent en relief une surface supérieure noire et une surface inférieure grise accentuant une structure représentative nouvelle. Ces tableaux Black on Gray semblent renvoyer l'artiste, comme le spectateur à la conscience de son propre regard sur lui-même. Ils expriment comme le caractère tragique de la dernière phase créatrice de Mark Rothko, lucide sur la situation avancée de sa vie et du temps passé.
" Je ne suis pas un peintre abstrait, disait Rotkho. je ne m'interesse pas aux relations de couleurs ou de formes. La seule chose qui m'interesse, c'est d'exprimer les émotions fondamentales de l'homme ; la tragédie, l'extase, le destin..."
Mark Rothko au fil de son parcours pictural est devenu peu à peu un peintre méditatif, un artiste de la profondeur et de la contemplation, avec dans ses dernières années le sentiment aigu du tragique de son oeuvre.

Illustration : Mark Rotkho : " Hommage à Matisse " - 1954  - Huile sur toile -
© Coll.Part. New York