EXPOSITIONS PASSEES
MONDE
Année 2003

BERLIN : Palais Martin Gropius Bau
" Fissures dans le Mur "
Du 19 mars au 4 mai  2003

En 1962, un an après la construction du Mur de Berlin, l'écrivain ouest-allemand Gunter Grass écrivait déjà : "Aucune frontière ne pourra arrêter les artistes, car ce sont des passeurs de murs". "Mauerspruenge" ou "Fissures dans le Mur " est le titre de l'exposition organisée au Palais Martin Gropius Bau de Berlin qui rassemble nombre d'éléments pour illustrer ce que furent les échanges artistiques entre les deux Allemagne avant la chute du Mur en 1989.
Cette exposition, installée à proximité des restes du Mur,  retrace ce que furent ces 27 années de stratagèmes pour contourner les entraves et les suspicions du régime communiste à l'égard de l'ouest.

C'est ainsi que le chanteur et guitariste est -allemand Wolf Biermann, en 1976, alors qu'il donne un concert à Cologne, à l'ouest, se trouve déchu de sa nationalité par les dirigeants communistes de la RDA et provoque de nombreuses réactions d'opposition à cette décision des deux côtés du Mur.
Certains y voient alors l'un des signes annonciateurs de la fin du régime, mais ce n'est qu'en 1986 pour que la RFA et la RDA parviennent à signer un accord culturel officiel, alorsque depuis des années les artistes de part et d'autres du Mur communiquent  et échangent entre eux malgré tout.
Cette exposition s'organise ainsi en diverses salles consacrées chacune à un mode d'expression artistique, peinture, dessin,  cinéma, livres, musique, mais aussi télévision.
Présentée à Leipzig, à l'est, et à Essen à l'ouest , cette exposition s'installe à Berlin comme un symbole majeur . On y découvre par exemple que les artistes de la RDA ayant réussi à l'ouest, telle la chanteuse de rock Nina Hagen est alors considérée comme étant de la RFA . On cherche à oublier d'où elle vient, c'est à dire de la RDA qu'elle a fui avec sa mère, à l'âge de 17 ans.
La fin du parcours de l'exposition conduit le visiteur dans un labyrinthe dont les murs branlants veut rappeler que la police secrète de la RDA, la Stasi, gardait une méfiance toute particulière à l'égard des artistes, les surveillait et n'hésitait pas à les traquer à toute occasion, avec le jeu permanent de la suspicion quand certains artistes dissidents officiels, n'hésitaient pas pour acheter leur tranquilité à devenir des indicateurs.

Illustration : Murs de Berlin 1989 - peinture anonyme   Photo de Francesco et Alessandro Alacevich 
" Mémoire d'un art perdu"  - © Editions Gremese  1991

TUBINGEN : Kunsthalle
" Macke et les Expressionnistes "
Du 18 janvier au 6 avril 2003

Acteur important de l'avant-garde européenne du début du XXème siècle, August Macke (1887-1914) avait organisé à Bonn en août 1913, une exposition intitulée " Les Expressionnistes Rhénans", où il avait réusit à réunir pour la première fois une quinzaine de jeunes artistes modernistes de l'époque. Cette exposition avait constitué le point de départ l'avant-garde artistique Rhénane, par une présentation d'oeuvres très marquées par le fauvisme et par les tendances futuristes, au nombre desquelles figuraient des oeuvres entres autres de Ernst Moritz Engert (1892-1986), Heinrich Campendonk (1889-1957), Franz Seraph Henseler (1883-1918), Joseph Kölschbach (1892-1947), Helmuth Macke (1891-1936), Carlo Mense (1886-1965), Heinrich Nauen (1880-1940), Clara-Maria Nauen-Malachowski (1880-1943), Olga Oppenheimer (1886-1941),  William Straube (1871-1954), ou Hans Thuar (1887-1945).

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August Macke lui même avait au cours de ses voyages en France été marqué par l'oeuvre de Seurat, mais également par Matisse, et à Munich en 1910, il s'était lié damitié avec Franz Marc, puis avec  Kandinsky, Klee et dautres membres du Blaue Reiter avec lesquels il avait exposé en 1911 et 1912.
Lors d'un autre séjour à Paris en 1912 avec Franz Marc, il avait rencontré également Robert Delaunay, par lequel il avait été également  impressionné notamment par sa série sur les fenêtres, dont il adopta ensuite le principe des contrastes simultanés pour trouver des énergies de couleur.  
La tendance expressioniste s'était développée en Rhénanie depuis 1909, mais l' influence de la peinture française avait plus particulèrement marqué August Macke, qui partagé entre les impressionnistes et le fauvisme, vouait une admiration particuliere  pour Henri Matisse. L'orphisme de Delaunay aux couleurs radiantes et rougeoyantes, inspiraient également ses compositions personnelles et en peu d'années il parvint a produire avec ces influences diverses un oeuvre de densité et de vigueur incomparables, d'influence majeure dans le mouvement expressionniste rhénan dont il fut l'un des maîtres.
Macke était très impliqué dans le secteur de la politique culturelle, en combattant pour une reconnaissance de l'art moderne, mais la théorie en tant que telle lui était étrangère. C'est  sa façon ouverte et facile de présenter ses conceptions expressionnistes, qui lui avait amenés de nombreux contacts artistiques et amis avec l'appui desquels il s'était impliqué par exemple aussi dans "l'Exposition Internationale du Sonderbund" à Cologne en 1912, avec des oeuvres modernes, parmi lesquelles des toiles de Cézanne, ou de Van Gogh, entre autres artistes, toujours dans le but d'offrir une vue des développements les plus récents dans l'art de l'époque.
Ce sont ainsi 170 oeuvres, comprenant des peintures, des aquarelles et des dessins qui sont présentées, lesquelles nous replongent dans l'effervescence de ce que fut l'exposition des expressionnistes rhénans, organisée en été 1913 par August Macke, dans son objectif de défendre les expressions nouvelles de l'art moderne. La majorité des oeuvres prêtées proviennent du Kunstmuseum Bonn, mais également de collections publiques et privées de divers pays européens, et des Etats-Unis.

Illustration : August Macke " Femme en Manteau Vert " 1913 - Huile sur toile 44 x 43,5  cm 
© Museum Ludwig Cologne

BERLIN : Brücke Museum
" Macke et les Expressionnistes Rhénans"
  Du 28 septembre au 5 janvier 2003

Acteur important de l'avant-garde européenne du début du XXème siècle, August Macke (1887-1914) avait organisé à Bonn en août 1913, une exposition intitulée " Les Expressionnistes Rhénans", où il avait réusit à réunir pour la première fois une quinzaine de jeunes artistes modernistes de l'époque. Cette exposition avait constitué le point de départ l'avant-garde artistique Rhénane, par une présentation d'oeuvres très marquées par le fauvisme et par les tendances futuristes, au nombre desquelles figuraient des oeuvres entres autres de Ernst Moritz Engert (1892-1986), Heinrich Campendonk (1889-1957), Franz Seraph Henseler (1883-1918), Joseph Kölschbach (1892-1947), Helmuth Macke (1891-1936), Carlo Mense (1886-1965), Heinrich Nauen (1880-1940), Clara-Maria Nauen-Malachowski (1880-1943), Olga Oppenheimer (1886-1941),  William Straube (1871-1954), ou Hans Thuar (1887-1945).
August Macke lui même avait au cours de ses voyages en France été marqué par l'oeuvre de Seurat, mais également par Matisse, et à Munich en 1910, il s'était lié damitié avec Franz Marc, puis avec  Kandinsky, Klee et dautres membres du Blaue Reiter avec lesquels il avait exposé en 1911 et 1912.
Lors d'un autre séjour à Paris en 1912 avec Franz Marc, il avait rencontré également Robert Delaunay, par lequel il avait été également  impressionné notamment par sa série sur les fenêtres, dont il adopta ensuite le principe des contrastes simultanés pour trouver des énergies de couleur.  

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La tendance expressioniste s'était développée en Rhénanie depuis 1909, mais l' influence de la peinture française avait plus particulèrement marqué August Macke, qui partagé entre les impressionnistes et le fauvisme, vouait une admiration particuliere  pour Henri Matisse. L'orphisme de Delaunay aux couleurs radiantes et rougeoyantes, inspiraient également ses compositions personnelles et en peu d'années il parvint a produire avec ces influences diverses un oeuvre de densité et de vigueur incomparables, d'influence majeure dans le mouvement expressionniste rhénan dont il fut l'un des maîtres.
Macke était très impliqué dans le secteur de la politique culturelle, en combattant pour une reconnaissance de l'art moderne, mais la théorie en tant que telle lui était étrangère. C'est  sa façon ouverte et facile de présenter ses conceptions expressionnistes, qui lui avait amenés de nombreux contacts artistiques et amis avec l'appui desquels il s'était impliqué par exemple aussi dans "l'Exposition Internationale du Sonderbund" à Cologne en 1912, avec des oeuvres modernes, parmi lesquelles des toiles de Cézanne, ou de Van Gogh, entre autres artistes, toujours dans le but d'offrir une vue des développements les plus récents dans l'art de l'époque.
Ce sont ainsi 170 oeuvres, comprenant des peintures, des aquarelles et des dessins qui sont présentées ici, qui nous replongent dans l'effervescence de ce que fut l'exposition des expressionnistes rhénans, organisée en été 1913 par August Macke, dans son objectif de défendre les expressions nouvelles de l'art moderne. La majorité des oeuvres prêtées proviennent du Kunstmuseum Bonn, mais également de collections publiques et privées de divers pays européens, et des Etats-Unis.

Illustration : August Macke " Promenade à trois " 1914 - Huile sur toile 56 x 33  cm  © Coll. Part.

VIENNE : Musée de l'Albertina
" Albrecht Dürer"
Du 8 septembre au 30 novembre 2003
Prolongation jusqu'au 8 décembre 2003

Cette grande exposition du Musée de l'Albertina propose pour la première fois depuis plus de trente ans une présentation chronologique de l'ensemble de l'oeuvre d'Albrecht Dürer (1471-1528) en réunissant 200 oeuvres du maître de la Renaissance, dont 16 tableaux et 140 dessins issus de la collection des réserves de l' Albertina lui même .
La précédente exposition de cette importance s'était tenue  à Nuremberg, en 1971, à l'occasion du 500e anniversaire de la naissance du peintre dans cette ville.  Le musée de Vienne détient en effet la plus riche collection d'oeuvres de Dürer au monde grâce à son créateur, le Duc Albert de Sachsen-Teschen, qui avait obtenu de l'empereur François II, les oeuvres du peintre allemand.

Par les prêts du British Museum et de la National Gallery de Londres, du Prado à Madrid et du Metropolitan Museum de New York, l'exposition propose   une présentation parallèle des dessins et tableaux du même sujet, éclairant les différentes phases de la création de l'artiste. Un portrait esquissé de l'empereur Maximilien Ier, est mis en regard ainsi du portrait peint du même empereur, prêté par le Kunsthistorisches Museum de Vienne, tandis que plus loin, un remarquable portrait de Saint Jérôme, prêté par la National Gallery est presenté avec le croquis d'un vieillard, qui a servi de dessin préparatoire pour ce tableau.

Maître du portrait, de la peinture des paysages et des animaux ainsi que des scènes religieuses, Albrecht Dürer avait commencé à apprendre la précision et le goût du détail qui caractérisa toute son oeuvre, dans l'atelier d'orfèvrerie de son père à Nuremberg où il avait fait son apprentissage dès son plus jeune âge. C'est à 13 ans qu'il réalise son premier auto-portrait, présent ici à l'Albertina, qui est considéré comme le premier auto-portrait de l'histoire de l'art européen.
Grand observateur de la nature, il fît de nombreux voyages au travers l'Europe, chose rare à cette époque, pour réaliser des aquarelles et des tableaux de paysages. C'est ainsi qu'iI  voyage à Venise en 1494, avant de revenir à plusieurs reprises en Italie et qu'il effectue également une visite de la Hollande dans les années 1520-1521, d'où il reviendra avec un journal de voyage. De retour à Nuremberg, il entreprendra de peindre des paysages, avec une inspiration totalement novatrice pour son époque, et sera ainsi le premier peintre à traiter abondamment de thèmes non religieux.

Illustration : Albrecht Dürer " Autoportrait à l'âge de 13 ans " 1485 - dessin à la mine d'argent © Musée de l'Albertina Vienne

VIENNE : Österreichische -  Musée du Belvédère -
" Gustav Klimt- Paysages "
Du 23 octobre au 23 février 2003

"Gustav Klimt Paysages" est la toute première exposition au monde consacrée uniquement aux sujets de paysage dans lSuvre de Gustav Klimt. Les Suvres présentées au public, pour certaines dentre elles pour la première fois visibles en Autriche, proviennent autant de musées et de collections privées dEurope que des Etats Unis. Lexposition présente non seulement lintégralité des phases ainsi que les nombreux aspects de la peinture de paysage dans lSuvre de Klimt, mais illustre également son importance dans la production globale de lartiste.
Les paysages de Klimt envoûtent par leurs coloris chatoyants, ils fascinent par le choix de leurs sujets et entraînent lobservateur dans un monde artistique harmonieux. Les paysages conduisent au cSur de la technique artistique de lartiste. Notre regard est emporté sans heurts par les représentations artistiques, car elles ne parlent là ni de femmes superbes, ni damour et de haine, ni de maladie ou de mort.
"Gustav Klimt Paysages " apporte aux expositions précédentes un éclairage nouveau autant sur des questions formelles que sur la thématique de lidentité et de la compréhension du rôle de lartiste.

Gustav Klimt, jusque là homme des villes, peint ses premiers paysages dans latmosphère détendue de ses fréquents séjours dété au sein du Salzkammergut, ainsi quà Bad Gastein et au bord du lac de Garde en Italie. Lartiste, habitué aux succès plus quaux déconvenues, traverse à ce moment une crise existentielle profonde après la fameuse dispute des " peintures de la Faculté " (Fakultätsbilder-Krise). La crise dura de 1894 1903 et au cours de celle-ci les plafonds peints à lUniversité de Vienne furent tant critiqués par le corps professoral, quen 1905 Klimt se décida à racheter son Suvre.
Klimt se présente déjà comme novateur dans le domaine de lart. Il sélève contre les conventions de lépoque et oppose au monde figé des images de lhistorisme ambiant son symbolisme personnel. Alors que lartiste cherche à rendre conscient le pouvoir occulte de lEros et de lintuition refoulée, il représente dans les Peintures de la Faculté la puissance sombre de lexistence humaine et son incontrôlabilité, attaquant par là de front lappréhension scientifique du positivisme ainsi que le libéralisme dominant de lépoque.

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Les critiques à légard de ses Suvres touchent Klimt profondément. La crise des Peintures de la Faculté mène à une nouvelle orientation de son Suvre. Klimt, jusqualors oscillant entre ses revendications et son retrait, décide finalement dorienter son travail dans le privé. Il réalise des portraits de la haute société, recoit une demande pour la décoration du Palais Stoclet à Bruxelles et place les paysages au centre de son activité picturale. Face aux troubles rencontrés, lartiste répond par la prise de distance, autant par rapport au public que par rapport à ses objets.
Autant les premiers paysages sont encore clairement marqués par " lambiance paysagiste ", autant les suivants deviennent fortement influencés par le Pointillisme. Le matériel possède une existence propre et lassemblage des points colorés en une surface lumineuse reflète la fonction, la structure des objets représentés (fleurs, feuilles&). Les années 1899-1900 amènent à Vienne les premières Suvres de Théo von Rysselberghes et Paul Signac, mais également celles de Nabis comme Denis, Vuillard, Bonnard, Roussel ou Maillol, dont on retrouve une forte influence dans les paysages de Klimt.

Les Nabis ne cherchent pas, par des thèmes ou des motifs définis, à illustrer une atmosphère consciemment choisie, mais plutôt à rapporter, par la mise en scène esthétique de lSuvre, la découverte, la création et lapparition du monde à travers un langage valable et durable. Les Nabis tirent formellement les conséquences de leurs prédecesseurs. Après laccentuation de la couleur pure par Seurat, après lutilisation de la force dexpression de la couleur en grandes surfaces plates par Gauguin, à la suite des recherches de Cézanne au sujet des principes de structure des rendus de la nature et de lintégrité de lexpression par Van Gogh, les Nabis cherchent à rendre et à gagner le pari de la matérialisation artistique des expériences de lâme. La nature doit être représentée à travers des formes et des couleurs équivalentes, la durée doit par la technique devenir " image ".La recherche de Klimt sur la spiritualité interne de la représentation, notamment son talent pour le subtil, les valeurs et la chromatique suivent cette voie...

La palette de Klimt reste claire, pure, subtile, exempte de tout contrastes brutaux. Jamais lartiste nutilise de vernis, afin de conserver intacte la clareté des pigments. Gustav Klimt était conscient que le renforcement des accords de couleur appaise la construction de la composition. Les paysages de Klimt brillent ainsi de la luminosité rayonnant des profondeurs de la couleur...

Le but recherché par Klimt dans ses paysages était de créer un monde dharmonie ; la floraison de la Nature trône au-dessus des concepts temporels de lHomme et de sa mortalité, nulle part ne se trouve un rappel du passé. Les tableaux de paysages referment autant une puissante force significative quun achèvement festif. Ainsi se laisse définir que Klimt, par là même intimement lié à Schoppenhauer et Nietzsche, était convaincu que lArt est le plus haut moyen de reconnaissance, dapaisement de toutes les peines, par sa Beauté.

Stephan Koja

Illustrations :
En haut : Gustav Klimt " Allée dans le parc du Château Kammer " 1912 - Huile sur toile,
110 x 110 cm -signé l.u.: Gustav Klimt - © Galerie Autrichienne - Belvédère, Vienne
En bas : Gustav Klimt "Eglise à Cassone " 1913 Huile sur toile © Coll. Part.

voir page " Gustav Klimt "

AUTRICHE

VIENNE : Musée du Belvédère - Musée Baroque
" Franz Xaver Messerschmidt "
Du 11 octobre au 9 février 2003

Franz Xaver Messerschmidt (1736-1783) fut sans doute l'artiste le plus original dans le monde de la sculpture autrichienne du XVIIIème siècle. Il aura  incarné le génie mais également la folie, réunis dans une oeuvre à la fois classique, mais en partie curieuse et totalement différente des normes artistiques dans la sculpture de cette époque .
Totalement académique d'un côté, mais par ailleurs stupéfiante et parfois accablante, l' oeuvre de ce grand maître du baroque, mérite qu'on la redécouvre.
L' Österreichische Galerie a pu ainsi rassembler quelques 65 oeuvres en provenance de différents musées nationaux et internationaux, afin de montrer au public ce qui constitue probablement la plus grande des expositions jamais consacrée à cet artiste énigmatique.

Ses sculptures sont marquées en effet du plus parfait classicisme dans les bustes en marbre, en albâtre ou en plomb qu'il réalise de ces contemporains tels les portraits de "Gerard van Swieten" de 1772 , de  "Herzog Albert von Sachsen-Teschen" en 1780 ou encore la sculpture en pied de "Maria Theresia als Königin von Ungarn" réalisée en 1764-1765. Mais l'autre aspect de l'oeuvre qui interpelle le visiteur, est celui qui met en scène des bustes de visages grimaçants, ou illustrant les traits de caractère de certains personnages reproduisent jusqu'à la caricature ce que furent les découvertes faites par une de ces nouvelles prétendues sciences, appelée plus tard la morphopsychologie.
L'exposition montre ce que furent les différentes phases de cet artiste baroque au travers les divers aspects les plus opposés de sa production, mais montre également par ailleurs ce que fut la vie tragique du sculpteur.

Illustration : Franz Xaver Messerschmidt : " Un fou évident "1770 Albâtre  © Galerie du Belvédère Vienne

BRUGES : Musée Groeninge
" Le siècle de Van Eyck "
Du 24 janvier au 30 juin 2003

Cette exposition montre la place essentielle occupée par le maître flamand Jan Van Eyck (1390-1441), dans la peinture européeenne du  XVème siècle, et combien il a pu influencer de nombreux artistes à commencer par Dürer, jusqu'à Giorgione et Le Titien, tant il a su devenir le maître de la peinture à l'huile, dont on dit qu'il fut l'inventeur.
Le raffinement de son travail réside dans le fait qu'il travaille longuement les couleurs à l'aide de multiples couches de glacis transparents, qui permettent d'obtenir des reliefs, des reflets, des profondeurs dans les vêtements des personnages qu'il peint, des brillances dans les objets ou encore dans les pierres précieuses  qu'il reproduit. Il élève également au plus haut pour son époque, l'art du portrait, dont il représente les personnages dans des effets de lumière qui semble leur donner vie, et une quasi réalité aux objets.

Jan Van Eyck qui reste à l'écart des recherches de peintres contemporains italiens, comme  Masaccio ou Alberti, montre une immense virtuosité dans l'utilisation des couleurs vives, comme des couleurs ternes ou grises qui donnent un relief et une profondeur à ses oeuvres et le rapprochera de la découverte de la perspective, qui sera inventée à la même époque par les Italiens.
Cette exposition présente ainsi douze tableaux du génie flamand, protégé de Philippe le Bon, Duc de Bourgogne, et démontre l'impulsion que l'art de Van Eyck dont en particulier celui du portrait, donne à la peinture européenne.
Parmi les oeuvres présentées , " L'Annonciation ", "Portrait de l'homme au chapeau bleu "," Le portrait du Cardinal Albergati ", " Vierge au Chanoine van der Paele"," Marguerite Van Eyck" sont mis en regard de quelques 130 oeuvres choisies d'artistes, tels que Niccolo Colantonio, Antonello de Messine, Fra Angelico, Bellini,  Ghirlandaio, ou encore avec celle du peintre français Jean Fouquet, avec sa" Vierge à l'Enfant ", pour souligner la place éminente et essentielle de Jan Van Eyck dans l'histoire de la peinture

Illustration : Jan Van Eyck  : " Vierge au Chanoine Van der Paele " 1436 - Huile sur bois 122 x 157,8 cm -
© Musée Groeninge Bruges

MONTREAL : Musée des Beaux Arts
" Edouard Vuillard "
Du 18 mai au 24 août 2003

Cette rétrospective est la plus grande exposition jamais consacrée à Edouard Vuillard (1868-1940 ). Ce sont quelques 230 oeuvres qui sont présentées, dont la majorité provient de collections particulières. Certaines n'ont jamais encore été vue par le grand public :des tableaux, mais aussi des décors pour les intérieurs de maisons bourgeoises parisiennes ou des photographies de ses proches que lartiste réalisa à partir de 1897, des affiches et des cartons de décors de théâtre davant-garde.
Organisée chronologiquement, cette exposition donne au  visiteur la possibilité de découvrir loeuvre de Vuillard dans toute sa diversité et sa richesse. Grand admirateur des classiques - de Vermeer, Watteau et Chardin -, artiste inclassable comme son ami le peintre Pierre Bonnard, il s'est intéressé à tous les mouvements de son époque sans appartenir à aucune école, fauve ou cubiste comme ses contemporains Henri Matisse ou Pablo Picasso.

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Au travers les petits formats aux constructions colorées proches des Nabis, jusquaux portraits des années trente dans lesquels il annoncait les thèmes favoris qui seront ceux d' Edward Hopper plus tard, avec des scènes d' hommes et de femmes daffaires dans leurs bureaux, Edouard Vuillard, homme renfermé apparaissait plutôt assez indifférent à son époque en réalisant ses scènes d'intérieurs qu'il affectionnait beaucoup.
Mais à partir de 1900, Edouard Vuillard avait un peu abandonné cette thématique, pour se consacrer à la découverte de la nature et des voyages. C'est ainsi qu'il avait découvert au travers un séjour en Suisse en particulier, sur les bordures du Rhin, et dans les campagne et les villages du canton de Vaud, de nouvelles sources d'inspiration au travers des paysages qu'il réalise alors dans de nombreux tableaux où les couleurs deviennent vives et les portraits plus lumineux dans leur univers familier.
Il renoue en peignant ces scènes d'extérieur, avec les années 1894, lorqu'il avait composé en particulier la fameuse série des neufs panneaux intitulés Jardins Publics, rassemblés d'ailleurs ici dans une seule salle pour la première fois depuis 1906.

Edouard Vuillard qui s'interresse très tôt à la photographie, prend également beaucoup de plaisir à réaliser des clichés qu'il prendra par centaines, dans sa famille, mais également en extérieur, lesquelles lui servent d'aide-mémoire pour la réalisation de certaines de ses toiles. Un certain nombre de ces photos sont donc présentées ici, avec notamment celles qui saisissent le visage de sa mère, dont il a peint souvent le portrait dans son atelier de couture ou les photos de ses amis Pierre Bonnard ou l'écrivain Tristan Bernard.
Cette imposante exposition s'attache à montrer ainsi une oeuvre beaucoup plus diversifiée et créatrice que celle que l'on retient communément de Vuillard, dont l'oeuvre intimiste domine il est vrai, et reste surtout célèbre pour ses scènes familiales où les personnages apparaissent comme figés dans des pièces lourdement décorées.

Illustration : Edouard Vuillard : " Sous les Arbres  " ( détail) - panneau de la série " Jardins Publics" 1894  - détrempe sur toile 212 x 96 cm -
© Musée des Arts Cleveland © ADAGP, Paris.

CANADA

MONTREAL : Musée des Beaux Arts
" Linvitation au voyage.
L'avant-garde française de Gauguin à Matisse "
Du 31 janvier au 27 avril 2003

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Cette "Invitation au voyage" est une découverte de 75 oeuvres de la peinture française conservées au Musée de l'Ermitage à Saint-Pétersbourg. Bonnard, Cézanne, Denis, Derain, Gauguin, Matisse, Picasso, Rodin, et plusieurs autres impressionnistes, qui ont marqués les débuts de la modernité artistique.
Cette exposition montre sous un jour nouveau ce que fût la transition vers le modernisme qui marquera le début du XXème siècle en France, mais également l'ensemble de l'art occidental.

Elle démontre en quoi la résurgence du classicisme et lincidence du " primitivisme" sur la culture européenne, ont pu créer des liens entre le symbolisme, le post-impressionnisme, le fauvisme et la naissance de lart moderne.
Cette "Invitation au voyage" commence donc avec lAge dOr de la mythologie gréco-romaine, que lon retrouve dans les Suvres de Bonnard et de Stéphane Denis, se poursuit dans la Provence et la Côte d'Azur ensoleillées dont l' intensité de la lumière inspire tant les Fauves, dont Matisse, Derain, Marquet, mais aussi sur les plages de Tahiti, représentées par Gauguin, puis avec les arts "primitifs", qui influencèrent tant Picasso.
Beaucoup de ces oeuvres nont jamais été présentées au Canada, ni même en dehors de la Russie, et constituent donc un événement majeur.

Illustration : Paul Gauguin : Nave Nave Moe (Eau délicieuse / Douces rêveries) 1894 -Huile sur toile marouflée 73 x 98 cm
© Musée de l'Ermitage St-Pétersbourg

HONG KONG : Musée d'Histoire de Hong Kong
" Trésors des Dynasties Quin et Han"
Du 27 novembre au 30 mars 2003

Les découvertes archéologiques faites en Chine depuis une dizaine d'années et la préservation de ces vestiges qui peuvent  être attribuées au développement économique et à la stabilité du pays, permettent de présenter aujourd'hui dans de grandes expositions, ce qu'est la richesse culturelle et historique de la Chine.
Ainsi cette exposition intitulée "Trésors des dynasties Quin et Han ( de 221 av. J.C. à 200 ap. J.C.) : la Guerre et la Paix- organisée par le Bureau provincial des vestiges culturels du Shaanxi et le Département des services culturels de la Région de Hong Kong, présente au public plus de cent objets d'art précieux du patrimoine culturel chinois, dont certains n'ont jamais été exposés ni en Chine ni à l'étranger.

Ce sont en effet des objets et des statues en terre cuite de guerriers et de chevaux, provenant des dynasties Qin et Han qui sont présentées ici, y compris deux statues en terre cuite à l'effigie d'un général d'armée et d'un acrobate, qui ont été transportées à Hong Kong pour l'occasion, mais également des objets retraçant les découvertes archéologiques faites dans le Shaanxi depuis d'une dizaine d'années.
Cette exposition révèle et montre ainsi que la dynastie Han (de 206 av. J.-C. à 220 ap. J. -C.) avait atteint un niveau de développement culturel très brillant grâce à une période de stabilité, en particulier sous le règne des empereurs Wen et Jing.

Illustration : Art Chinois : Guerrier de l 'armée souterraine de l'Empereur Quin Shihuang  259 -210 av.J.C. ©

MADRID : Musée du Prado
" Vermeer et l'intérieur hollandais "
Jusqu'au 18 mai 2003

L'exposition "Vermeer et l'intérieur hollandais "à l'affiche du Musée du Prado à Madrid réunit neuf des chefs d'oeuvre de Johannes Vermeer (1632-1675), soit près d'un tiers de la production du maître de Delft, estimée à 35 tableaux.
Elle prolonge les précédentes expositions de New York et de Londres voici deux ans et de celle de Washington et de La Haye en 1995, en présentant les peinture d'intérieurs de Vermeer dans un contexte géographique plus large englobant les peintres des Pays-Bas, en rapprochement avec "les Ménines" de Velazquez, l'une des oeuvres capitales de la pinacothèque de Madrid.

Cette exposition du mythe Vermeer, peintre de la lumière, de l'espace et de la composition géométrique, avec des tableaux célèbres et emblématiques tels que "L'Art de peindre " ou "Lectrice à la fenêtre", mis en rapport avec les peintres néerlandais Gerrit Dou, Pieter de Hooch , Gerrit Ter Bosh, Jan Steen, Gabriel Metsu, Frans van Mieris, Nicolas Maes ou Emmanuel de Witte, complètent cette vision de l'intérieur hollandais, de la seconde moitié du XVIIème siècle, avec des oeuvres en provenance principalement des Musées de New York, de Los Angeles, d' Amsterdam, de Dresde, de Berlin ou de Vienne.

Illustration : Joannis Vermeer  " La Lettre d'amour "  1667 (détail) Huile sur toile 44 x 38,5 cm  
© Rijksmuseum Amsterdam 

BILBAO : Musée Guggenheim
" Rubens et son époque.
Les Trésors du Musée de l'Ermitage"
Du 1er octobre au 13 février 2003

Le Musée Guggenheim s'est associé au Musée National de l'Ermitage à St Pétersbourg   pour présenter ici ce que fut l'influence de Peter Paul Rubens (1577-1640) sur son époque.
Admirateur du Titien, et ayant suscité les vocations de Van Dyck et de Frans Snyders, Rubens est un peintre dont le talent fut immédiatement reconnu, et dont le talent débordant et diversifié en firent l'un des plus grands maîtres de l'histoire de la peinture.
Les oeuvres de jeunesse qui sont principalement d'inspiration religieuse, se caractérisent par de vigoureuses oppositions colorées dans lesquelles la lumière joue un grand rôle. Il crée par cette technique un nouveau langage dans la peinture de l'époque, enrichi par ses voyages en Italie, et en Espagne entre 1600 et 1608.
Il réalise un certain nombre d'oeuvres pour l'Archiduc Albert et l'infante Isabelle au Pays Bas, et attire dans son atelier de nombreux élèves avant que d'épouser Jan Brandt, une fille d'avocat d'Anvers. En 1622, il reçoit commande de Marie de Médicis, veuve d'Henri IV, pour la décoration d'une galerie du Louvre sur le thème de " La Vie de La Reine", ainsi que de nombreuses autres commandes, telles des cartons de tapisserie pour Louis XIII, et il entame une carrière diplomatique à partir de 1623.

Le décès de Jan sa femme en 1626 l'affecte profondément et le conduit se met à voyager, en Hollande, en Espagne, en Angleterre. Son contact avec d'autre pays, et un second mariage en 1630 avec Hélène Fourment, fille d'un négociant en tapisseries, contribuent à faire évoluer son style vers une palette plus chaude et des thèmes plus intimes ou plus lyriques. C'est une période où il réalise également des portraits, ou des compositions où apparaissent la joie, le bonheur, la sensualité, l'hymne à la vie. En 1636, il reçoit du Roi Ferdinand d'Espagne une commande de 112 tableaux pour illustrer les "Métamorphoses " d'Ovide, et peint en 1637 l'une de ses dernières oeuvres célèbres " Les Horreurs de la Guerre", avant que de mourir quelque temps après en 1640
Le Musée National de l'Ermitage à St Pétersbourg qui détient l'une des plus importantes collections au monde de Baroque Flamand permet ici de découvrir la figure de Rubens et de ses contemporains, avec la possibilité d'admirer une sélection de peintures et de dessins flamands du XVIIème siècle les plus représentatifs de sa collection.
Des scènes de chasse, des scènes historiques et bibliques, mais aussi des natures mortes, et des portraits composent cette exposition, qu'ils soient de Rubens, ou de certains de ses disciples, mais des pièces de bijouterie, des camées, des gravures sur ivoire, des cristaux, des émaux et des tapisseries, illustrent également le contexte artistique, culturel et historique de l'époque.

Illustration : Peter Paul Rubens : " Portrait de la Camériste de l'Infante Isabelle " 1625  Huile sur  bois
64 x 48 cm © Musée de l'Ermitage Saint Pétersbourg

ESPAGNE

MADRID : Musée Thyssen-Bornemisza
" Robert et Sonia Delaunay : 1907-1941 "
Du 9 octobre au 12 janvier 2003

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Cette exposition consacrée à Robert Delaunay (1885-1941) et Sonia Terk-Delaunay (1885-1979), depuis 1907, année charnière de l'apparition du "cubisme" avec la présentation des "Demoiselles d'Avignon "de Picasso jusqu'à la mort de Robert en 1941, constitue une véritable rétrospective de l'artiste, dans laquelle l'oeuvre de Sonia occupe une grande place, à l'égal de ce que fut son rôle, son influence dans le parcours de son mari, et son propre trajet en tant qu'artiste.
Avec l'appui du Musée National d'Art Moderne de Paris, de la Succession Delaunay, et la participation de la Fundation Caja de Madrid, et le Musée Thyssen-Bornemisza, cette exposition, rappelle les différents étapes du parcours du couple d'artistes, avec pour principal objectif de montrer au travers la présentation des 70 oeuvres présentes, la contribution essentielle qui a été la leur dans la peinture moderne.
Dans sa première exposition en 1904, Robert Delaunay, qui a alors 19 ans, présente des paysages impressionnistes, puis il s'inspire de Gauguin, et du fauvisme, avant que de rencontrer au Salon d'Automne la même année, Matisse, Picabia, et Kandinsky. L'oeuvre de Seurat l'impressionne également, mais c'est en 1907, année de sa rencontre avec Sonia, puis avec la découverte de Picasso, que Robert Delaunay se met à développer une oeuvre abstraite fondée essentiellement sur la force de la couleur, de la lumière et sur le mouvement,  que Guillaume Apollinaire baptisera du nom d' "orphisme" ou de "cubisme orphique".

Au travers une conception théorique des couleurs que Robert étudie, et inspirée des travaux du chimiste Michel-Eugène Chevreul, il en arrive à la conclusion que la force de la lumière, son paradigme, son immatérialité, ne peuvent se représenter picturalement qu'au travers des couleurs. Sa méthode de représentation de la lumière, fut son principe artistique fondamental depuis 1912, année où il publia " Lumière", un texte théorique qui eut une grande influence sur les artistes de son époque, et qui fut peu après, publié et traduit en allemand par Paul Klee.
Sonia, de son côté qui s'était faite connaître  en 1913 par l'illustration pour Blaise Cendrars de " La Prose du Transibérien", en partageant la démarche picturale de Robert, se consacre également à une carrière de créatrice de tissus, par des cartons sur lesquels sont assemblés des formes et des découpes de couleurs très vives inspirées des traditions de l'Ukraine où elle est née. Elle transpose de son côté sur les tissus le résultat de recherches sur la simultanéité des couleurs.
Cette exposition retrace ainsi la démarche créatrice commune de ces deux artistes à Paris, mais évoque également leurs sept années passées en Espagne et au Portugal,  et souligne le rôle essentiel, mais pas suffisamment reconnu en France, qu'ils ont eu l'un et l'autre dans le développement de l'art et de la peinture moderne.

Illustration : Robert Delaunay : " Hommage à Blériot "  1914 Huile sur toile 250 x 250 cm  © Kunstmuseum Bâle

ESPAGNE

MADRID : Musée d'Art Contemporain Reine Sofia
" L'Univers de Gaudi "
Du 15 octobre au 6 janvier 2003

La grande exposition sur "L'univers de Gaudi", dans le contexte européen de l'époque du célèbre architecte catalan, après son passage au Centre de Culture Contemporaine de Barcelone, s'est installée au Musée d'Art Contemporain Reine Sofia à Madrid.
Ce sont quelques 400 oeuvres originales qui rassemblées ici cherchent à démontrer que Gaudi (1852-1926), loin de son image d'artiste solitaire et mystique, était parfaitement en harmonie avec son époque. Les visiteurs  pénétrent dans le monde mental et esthétique de l'architecte de la Sagrada Familia ou encore du Parc Güell, du Palais Güell et de la Casa Mila de Barcelone, site classé au patrimoine mondial de l'Unesco.

Dans une première partie, intitulée, l'exposition montre les liens qui existent entre l'oeuvre de Gaudi et celle de ses contemporains comme, par exemple les artistes britanniques John Ruskin et William Morris, ou l'architecte français Eugène Viollet-Le-Duc pour ses travaux de restauration, ou encore pour le symbolisme wagnérien.
Dans une deuxième partie, c'est une reproduction virtuelle de "l'atelier de Gaudi", qui est présentée sous l'oeuvre majeure et inachevée de la Sagrada Familia, lequel a été détruit au début de la guerre civile espagnole en 1937. Un ensemble de photographies et de maquettes montre le lien de Gaudi avec Auguste Rodin et Camille Claudel,  et montre que son atelier ressemblait davantage à celui d'un sculpteur qu'à celui d'un architecte.
La dernière partie de l'exposition montre ce que fut l'influence de Gaudi sur le mouvement surréaliste à travers les expositions qui lui ont été consacrées. Depuis l'exposition de Paris en 1910, jusqu'à celle de New York en 1956, en passant par la présence de son "architecture fantastique" à l'exposition du MoMA de New York intitulée "Fantastic Art, Dada, Surrealism" de 1936. Elle montre également l'influence particulière de Gaudi sur des artistes comme Dali, André Masson, Antoni Tapiés, ou  Man Ray, mais encore sur  l'architecte Le Corbusier.

Illustration : Antonio Gaudi :  façade de la Nativité La Sagrada Familia  - Barcelone ©

ETATS UNIS

NEW YORK : Museum of Modern Art
"Max Beckmann : rétrospective"
Du 26 juin au 30 septembre 2003

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Max Beckmann (1884-1950) est considéré dans les pays anglo-saxons comme l'un des artistes les plus importants du XXème siècle. Il s'agit ici d'une grande rétrospective qui réunit au travers une présentation chronologique, plus de cent cinquante oeuvres issues des collections les plus célèbres au monde.

Né à Leipzig, en Allemagne en 1884, Max Beckmann fait des études dans différentes villes d'Europe. Ses premières peintures, telle "Jeunes Hommes au bord de la mer" réalisée en 1905, le classent dans le courant "idéaliste" à la suite de Hans Van Marées et de la peinture symboliste allemande.

Le spectacle de la première guerre mondiale, à laquelle il participe comme infirmier, le bouleverse totalement et lui inspire des dessins et des gravures dont les compositions sont aussi éclatées, et noires que la réalité qu'il vit. Cette période marquera définitivement son oeuvre qui d'abord impressionniste, telle "La Nuit" qu'il peint en 1918, se veut être l'expression d'une nouvelle objectivité, mais qui   l'acheminera ensuite vers une oeuvre expressionniste jusque dans les années 1925 où il expose à Mannheim, aux côtés d'Otto Dix, Christian Schad, et de Georg Grosz.
A partir de ces années, Max Beckmann vient à plusieurs reprises en France, afin de pouvoir exposer  et de se faire connaître dans la capitale européenne de la culture qu'est Paris à cette époque. Il s'y installe en 1929, et se voit reconnu en 1931 par une grande exposition à la Galerie de la Renaissance à Paris. C'est alors une véritable émulation créatrice qui l'habite par rapport à la célébrité de  Picasso, Matisse, Fernand Léger, Georges Braque ou Georges Rouault, dont il s'inspire, et qui lui permet d'accèder à la reconnaissance également en Allemagne, par l'exposition qui lui est consacrée à la Nationalgalerie de Berlin en 1932.
Son premier triptyque "Le Départ" peint en 1933  et présenté quelques années plus tard en face du "Guernica" de Picasso au MoMA de New York, confirme sa notoriété et marque son engagement face à la situation politique de l'Allemagne. Mais après avoir été condamné comme artiste "décadent" par la propagande nazie à l'égal de Klee, Kokosckha, Ernst, Picasso, Dix, ou encore Nolde ou Kirchner, il émigre aux Pays-Bas en 1937 et écrit des articles sur le rôle spirituel de l'artiste, sur le génie solitaire, hors du temps et des événements publics. Son triptyque "La Tentation "de 1937 exprime l'évolution de son point de vue et cette nouvelle vision sur le rôle de l'artiste. Réfugié à Amsterdam, il peint la plupart des triptyques qui contribueront ensuite à sa renommée dans lesquels il peint le réel mêlé à l'allégorie, le spectacle de la vie ordinaire mêlé à la fantasmagorie.
Mais son expression artistique montre également l'influence qu'exercent les peintres français de l'époque sur son oeuvre, dont l'atmosphère dure, noire et sombre, évolue vers une certaine gaieté, une joie de vivre et une sensualité qui l'achemine vers des oeuvres symboliques telles que le "Triptyque des Argonautes", vers la fin de sa vie. Nommé à un poste d'enseignant à Saint Louis dans l'Etat du Missouri aux Etats Unis, il meurt quelque temps après à New York en 1950.
Cette exposition qui s'ouvre sur un autoportrait de l'artiste retrace l'itinéraire artistique de Max Beckmann, au travers les étapes successives de son oeuvre tout en s'arrêtant aux diverses thémes et engagements qui la traversent.

Illustration : Max Beckmann : " Autoportrait " ©

ETATS UNIS

NEW YORK : Metropolitan Museum of Art
"L'Art des premières villes -
Le troisième millénaire avant Jésus-Christ entre la Méditerranée et l'Indus"  
Du 15 mai au 17 août 2003

Cette nouvelle exposition du Metropolitan Museum qui présente près de 400 objets d'art exceptionnels et uniques, prêtés par une douzaine des plus grands musées du monde constitue la plus importante des expositions consacrée à l'art mésopotamien depuis de nombreuses années. 
Elle regroupe un choix des plus beaux témoignages de l'Art de la Mésopotamie, dont des pièces telle le "Standard d'Ur", prêté par le British Museum, la "Tête de taureau" en or et lapis lazuli provenant du Musée de l'Université de Pennsylvanie ou la célèbre statue de "l'Architecte ", prêtée par le Louvre à Paris.
Elle témoigne que la culture européenne prend sa source au coeur du Moyen Orient. Tous les ancêtres des grandes religions vivaient là, ainsi que les plus grands inventeurs, ceux de la roue, ou ceux de l'écriture.Durant des siècles, la religion, la politique, l'art, les sciences, l'agriculture, le commerce, se sont développés dans cette région du monde de la Syrie ancienne.

La Syrie est occupée d'abord par les Cananéens, dont les Phéniciens sont une branche, puis par les Amorrites, les Hourrites, les Araméens. Le pays est ensuite conquis par Cyrus qui met fin à la domination assyro-babylonienne, puis par Alexandre en 332 av. J.C., puis ensuite par les Romains, avant que d'être rattaché à l'Empire d'Orient.
Il est conquis à nouveau par les Arabes vainqueurs des Byzantins, dont les Omeyyades font du pays et de Damas entre 661et 750, le centre de l'Empire musulman. Les Abbassides, délaissent ensuite la pays pour faire de Bagdad, la capitale de l'Empire, alors que les Turcs conquièrent à partir de 1076 toute la région, puis Damas, et vont jusqu'à Jérusalem, avant que de se trouver confrontés aux Croisés de la chrétienté qui fondent Antioche et le Royaume de Jérusalem de 1099 à 1291.
La région est ensuite repris par les Mamelouks qui parviennent à chasser les Francs et qui dominent le pays jusqu'en 1516, avant qu'il ne tombe entre les mains de Ottomans qui conserveront la Syrie ensuite jusqu'en 1918.
Cette exposition couvre ainsi une période qui remonte à 5000 ans, avec de nombreux objets présents qui remontent au IIIème millénaire avant Jésus Christ. Dans une superbe présentation, le visiteur peut découvrir une somptueuse collection d'objets, comprenant de nombreuses statues, des bas reliefs funéraires de Palmyre, de précieux bijoux en or, des ustensiles, des armes, un remarquable masque de soldat, " le Masque d'Homs" fait d'argent de fer et d'or, unique en son genre, des mosaïques, et la plus ancienne partition de musique jamais retrouvée, gravée sur une tablette en argile.

lIlustration  : Masque de Homs  1er siècle aprés J.C -  Casque de parade avec masque en forme de tête d'homme - fer,argent ,et or - Hauteur 23 cm. © Musée National de Damas

NEW YORK : Metropolitan Museum of Art
" Manet - Vélasquez, la Manière espagnole"
Du 24 février au 8 juin 2003

Après Raphaël, jugé trop académique, Diego Vélasquez (1599-1660), est devenu la référence la plus élevée en matière artistique, pour les peintres français du milieu du XIXème siècle.
Son oeuvre inaugure en effet pour eux une vision plus libre de la peinture, plus proche de la vie, et plus près de la réalité des hommes.
Diego Vélasquez, par ses compositions où apparaissent des touches de couleurs vives afin de donner une plus grande réalité à ce qu'il peint, et par sa technique, est au sommet partout en Europe.

On admire dans son ensemble la peinture espagnole, les oeuvres de Murillo, de Ribera, de Zurbaran, mais également et avant tout celles de Goya, qui apparait alors comme l'artiste qui concrétise le mieux la transition entre le classicisme espagnol et la peinture moderne.
Cette influence s'exerce d'ailleurs fortement sur la manière de peindre d'artistes comme Delacroix, Millet, Corot, Courbet, Degas et quelques autres, comme Ribot, Legros, Carolus-Duran ou Bonnat, mais surtout sur Edouard Manet qui compose une série importante de peintures où apparait avec vigueur cette admiration qu'il vouait à la peinture espagnole.

Cette exposition présentée au Musée d'Orsay à Paris l'hiver dernier,  se consacre ainsi, pour un peu plus d'un tiers des oeuvres présentes, à Manet et à sa "manière espagnole" en rapport avec Vélasquez .
Elle met en regard les oeuvres des artistes contemporains d' Edouard Manet, avec celles des 'artistes espagnols les plus admirés à cette époque, pour montrer la véritable fascination des artistes français pour cette nouvelle manière de peindre. Ainsi parmi les oeuvres importantes de quelques grands maîtres, quelques tableaux de Francisco de Goya, héritier direct de Vélasquez dominent en nombre, pour montrer les filiations et les influences immédiates que l'on trouve de lui, par exemple chez Eugène Delacroix, mais surtout dans plusieurs oeuvres majeures d'Edouard Manet.
Les oeuvres présentées ici proviennent en partie du Musée du Louvre, mais également du Musée du Prado à Madrid.

lllustration : Edouard Manet : " Le Toréador Mort " -1864 - Huile sur toile   75,9 x 153,3 cm
© National Gallery of Art Washington

voir dossier " Edouard Manet "

ETATS UNIS

NEW YORK : Musée d'Art Moderne
" Matisse - Picasso "
  Du 13 février au 19 mai 2003

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Après les expositions de la Tate Britain à Londres, et du Grand Palais à Paris, cette nouvelle rencontre entre les deux grands maîtres du XXème siècle, rassemble 132 oeuvres, des peintures, mais également des sculptures et des dessins, afin de rapprocher au regard du public deux peintres qui ne s'aimaient pas et que presque tout opposait l'un à l'autre.
La force calme et déterminée de Matisse (1869-1954) contrastait avec la vitalité et le bouillonnement de Picasso (1881-1973).
Le tempérament froid de l'homme du nord, face à la fougue de l'homme du sud, sont réunis au travers nombre d' oeuvres afin de montrer le rapport ambigu et opposé qui existait entre les deux artistes, et pour déceler au fil des toiles et des années, que la modernité et la créativité n'a pas toujours été, contrairement à ce qui est souvent admis, du côté de Picasso, et à l'inverse que le classicisme n'a pas toujours été du côté de Matisse.

Les oeuvres qui sont présentées en regard, rassemblent des paysages, des portraits et des natures mortes, pour montrer non pas la rivalité qui pouvaient exister entre les deux peintres, mais plutôt un rapport de vive stimulation entre eux, qui naît à partir des années 1910, peu après que Picasso et Matisse se soient rencontrés chez Gertrude Stein en 1906.
Matisse est alors de 12 ans plus âgé que Picasso, et il est déjà un peintre reconnu pour son oeuvre fauviste.  Picasso qui est né en 1881, apparaît alors déjà comme un peintre surdoué.

Dès cette rencontre, c'est une "émulation artistique "quasi permanente qui anime les deux peintres, jusqu'à la mort de Matisse en 1954. Faute de ne pas s'aimer, les deux artistes s'observent l'un l'autre dans l'évolution de leur art, tout en se reconnaissant une certaine admiration mutuelle. Après la Seconde Guerre Mondiale, leurs oppositions finissent par s'apaiser et ils admettent mutuellement leurs différences et leurs génies respectifs.

Cette exposition montre ainsi ce que fut l'évolution des rapports entre les eux artistes qui malgré tout ne se lièrent jamais réellement d'amitié. Leur relation fut surtout un échange, un dialogue d'émulation davantage que de lutte, entre un certain nombre d'oeuvres fortes chez l'un et chez l'autre, mais qui ne s'arrêtera pas totalemnt avec la mort de Matisse, en 1954. Car "L'atelier à la Californie" de Picasso, par exemple peinte en 1955, sera une réponse et un hommage aux "Intérieurs Rouges" réalisé par Matisse en 1948, de même que le tableau "Femmes d'Alger, d'après Delacroix", peint également en 1955 par Picasso est une réponse aux Odalisques de Matisse, dont en particulier  "L'Odalisque au pantalon rouge" de 1925, ou "L'Odalisque Jaune" de 1926.
L'exposition du Musée d'Art Moderne met en regard également un oeuvre, qui n'était pas présente ni à Londres, ni à Paris, " Les Demoiselles d'Avignon " de Picasso, de 1907, face aux  " Baigneuses à la Tortue" de Matisse, réalisé en 1908.

Illustration : Pablo Picasso : " Les Demoiselles d'Avignon" 1907  Huile sur toile 243 x 233  cm
© Museum of Modern Art  New York

WASHINGTON : National Gallery
" Edouard Vuillard"
Du 19 janvier au 20 avril 2003

Cette rétrospective dont la tournée mondiale débute à la National Gallery de Washington est la plus grande exposition jamais consacrée à Edouard Vuillard ( 1868-1940).
Parmi les quelques 230 oeuvres présentées, la majorité des oeuvres, en provenance de collections particulières, n'a jamais encore été vue par le grand public: des tableaux, mais aussi des décors pour les intérieurs de maisons bourgeoises parisiennes ou des photographies de ses proches que lartiste réalisa à partir de 1897, des affiches et des cartons de décors de théâtre davant-garde.
Cette rétrospective organisée chronologiquement par le  Directeur du Musée des Beaux-Arts de Montréal, donne au  visiteur la possibilité de découvrir loeuvre de Vuillard dans toute sa diversité et sa richesse. Grand admirateur des classiques - de Vermeer, Watteau et Chardin - , artiste inclassable comme son ami le peintre Pierre Bonnard, il s'est intéressé à tous les mouvements de son époque sans appartenir à aucune école, fauve ou cubiste comme ses contemporains Henri Matisse ou Pablo Picasso.

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Au travers les petits formats aux constructions colorées proches des Nabis, jusquaux portraits des années trente dans lesquels il annoncait les thèmes favoris qui seront ceux d' Edward Hopper plus tard, avec des scènes d' hommes et de femmes daffaires dans leurs bureaux, Edouard Vuillard, homme renfermé et timide, apparaissait plutôt assez indifférent à son époque en réalisant ses scènes d'intérieurs qu'il affectionnait beaucoup.
Mais à partir de 1900, Edouard Vuillard avait un peu abandonné cette thématique, pour se consacrer à la découverte de la nature et des voyages. C'est ainsi qu'il avait découvert au travers un séjour en Suisse en particulier, sur les bordures du Rhin, et dans les campagne et les villages du canton de Vaud, de nouvelles sources d'inspiration au travers des paysages qu'il réalise alors dans de nombreux tableaux où les couleurs deviennent vives et les portraits plus lumineux dans leur univers familier.
Il renoue en peignant ces scènes d'extérieur, avec les années 1894, lorqu'il avait composé en particulier la fameuse série des neufs panneaux intitulés Jardins Publics, rassemblés d'ailleurs ici dans une seule salle pour la première fois depuis 1906.

Edouard Vuillard qui s'interresse très tôt à la photographie, prend également beaucoup de plaisir à réaliser des clichés qu'il prendra par centaines, dans sa famille, mais également en extérieur, lesquelles lui servent d'aide-mémoire pour la réalisation de certaines de ses toiles. Un certain nombre de ces photos sont donc présentées ici, avec notamment celles qui saisissent le visage de sa mère, dont il a peint souvent le portrait dans son atelier de couture ou les photos de ses amis Pierre Bonnard ou l'écrivain Tristan Bernard.
Cette imposante exposition s'attache à montrer ainsi une oeuvre beaucoup plus diversifiée et créatrice que celle que l'on retient communément de Vuillard, dont l'oeuvre intimiste domine il est vrai, et reste surtout célèbre pour ses scènes familiales où les personnages apparaissent comme figés dans des pièces lourdement décorées.

Illustration : Edouard Vuillard : " Sous les Arbres  " ( détail) - panneau de la série " Jardins Publics" 1894  - détrempe sur toile 212 x 96 cm - © Musée des Arts Cleveland

ETATS UNIS

NEW YORK : Metropolitan Museum
" Léonard de Vinci, maître dessinateur"
Du 22 janvier au 30 mars 2003

"Léonard de Vinci, maître-dessinateur", du Metropolitan Museum est l'une des plus importantes rétrospectives jamais consacrées à l'oeuvre du plus du grand génie de la Renaissance.
Un centaine de dessins, ont pu être réunis en effet, dont quelques uns pour la première fois dans une exposition à laquelle de nombreux musées, institutions ou collections particulières du monde entier ont participé, par le prêt de croquis, esquisses, schémas, ou pages de carnet, qui permettent de voir au plus près les traits réalisés par la main de ce grand génie.
La présentation faite selon un ordre chronologique permet de retracer, la vie, le parcours et l'oeuvre de Leonard de Vinci, né en 1453 dans la petite ville toscane de Vinci, enfant naturel d'un notaire Piero de Vinci et de Caterina, une paysanne dont on ne conserve que le prénom, et mort en 1519 en France.

Très tôt, le jeune Léonard montre de véritables dispositions pour le dessin, réalisés de sa main gauche, et une immense capacité à l'observation, qui le ménera à tracer, esquisser, dessiner, toute sa vie à la mine de plomb, au charbon, à la craie, à l'encre, en remplissant des feuillets et des pages de carnets, accompagnés d'une écriture aux lignes serrées, écrites de droite à gauche.
Des pages sont consacrées aux dessins de plantes, de feuilles, d'arbres, aux animaux, chiens, chats, ours, chevaux, et des folios entiers sont consacrées aux armes, aux pointes de lance, aux épées de toutes  formes, aux casse-tête, à des arcs, à des boucliers mais aussi aux engrenages, aux poulies, mais également à des idées de fortification, à des schémas d'artillerie 
En dehors de ses croquis techniques, Léonard réalise aussi des dessins d'anatomie, des études de musculture, sans  notions autres que celles de l'observation, il dessine l' "Arbre des veines" qui montre l'emplacement du coeur, des poumons et des principales artères dans le  corps de l'homme. Il dessine des études de visages, mais aussi des portraits aux délicats traits de Madone, jusqu'à des séries de portraits grotesques et de caricatures.
Aujourd'hui, il existe environ 4.000 dessins, de sa main, très souvent de petites dimensions, mais il ne reste seulement que 15 toiles. Ce sont quelques cents dessins, mais aussi huit pages du fameux "Codex Leicester", qui sont présentées, pour montrer comment évolue la réflexion de l'artiste au travers les croquis et les phrases qui se suivent et s'enchaînent, se complètent et se répondent dans ses carnets, comme si l'on   pouvait regarder par-dessus son épaule la progression de la pensée de l'un des plus grand, génies de tous les temps.

Illustration : Léonard de Vinci : " L'Homme Vitruvien " vers 1490  Dessin ©  Academia Venise

NEW YORK : Metropolitan Museum of Art
" Théodore Chasseriau"
Du 21 octobre au 5 janvier 2003

Le peintre Théodore Chassériau (1819 -1856) n'avait pas fait l'objet d'exposition importante et d'aucune rétrospective depuis 1933. Cette présente exposition faisant suite à deux grandes expositions à Paris et à Strasbourg, en France, rassemble près de deux cents tableaux, dessins et eaux-fortes, et restaure l'image de ce peintre français dont on ne retenait le souvenir jusque là que de quelques oeuvres, marquées par ses toiles exaltant la beauté féminine et son goût pour l'orientalisme.
L'oeuvre de Chassériau, au travers l'histoire de l'art, a été jusque là souvent réduite à une influence très marquée par Ingres et Delacroix, et totalement passée sous silence la singularité et la complexité de son inspiration.
Né à Saint-Domingue d'une mère créole et d'un père diplomate, Théodore Chassériau a 12 ans lorsqu'il entre dans l'atelier d'Ingres. lI est vite remarqué par la précocité de son talent, alors qu'il réalise déjà des portraits et des scènes d'histoire. Ingres, en 1835 alors qu'il a à peine 17 ans dira de lui : "Cet enfant sera le Napoléon de la peinture".

Ses dons de portraitiste qu'il aura tout au long de sa courte carrière, tant en dessin qu'en peinture s'exprime au travers des oeuvres telles que "Les Deux Soeurs" qu'il réalise d'abord dans son cercle familial, puis en réalisant des portraits d'amis tel son "Portrait de Tocqueville", et son " Portrait de Lacordaire" ou parmi le milieu mondain qu'il fréqente, tel le "Portrait de Marie d'Agoult", ou "Baigneuse endormie près d'une source ", qui est le portrait réalisé en 1850 de son amie, la comédienne Alice Ozy.
Son goût pour l'histoire, s'exprime d'abord par des oeuvres portant sur la mythologie, et mettant en scène les tourments de l'homme, en proie aux amours impossibles, ou à l'injustice, thèmes chers à la période romantique, renforcé par un voyage en Italie de 1840 à 1841, à la suite duquel, il réalise  " Les Troyennes", " La Toilette d'Esther", "Andromède attachée au rocher par les Néréides", "Apollon et Daphné" ou encore "Jésus au jardin des Oliviers". Il est aussi très inspiré par l'oeuvre de Shakespeare, à partir de laquelle il réalise une série d'eaux-fortes sur Othello et Desdémone. Un voyage en Algérie en 1846, lui permet de donner une nouvelle vision de l'Orient, par laquelle, il cherche à s'exprimer, comme témoin de la vie quotidienne en Afrique du Nord.

Illustration : Théodore Chasseriau " Autoportrait " 1835 Huile sur toile 99 x 52 cm © Musée du Louvre Paris

Actuellement

GRANDE BRETAGNE

LONDRES : Tate Modern
" Max Beckmann : rétrospective"
Du 13 fevrier au 4 mai 200

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Max Beckmann (1884-1950) est considéré dans les pays anglo-saxons comme l'un des artistes les plus importants du XXème siècle. Il s'agit ici d'une grande rétrospective qui réunit au travers une présentation chronologique, plus de cent cinquante oeuvres issues des collections les plus célèbres au monde.

Né à Leipzig, en Allemagne en 1884, Max Beckmann fait des études dans différentes villes d'Europe. Ses premières peintures, telle "Jeunes Hommes au bord de la mer" réalisée en 1905, le classent dans le courant "idéaliste" à la suite de Hans Van Marées et de la peinture symboliste allemande.
Le spectacle de la première guerre mondiale, à laquelle il participe comme infirmier, le bouleverse totalement et lui inspire des dessins et des gravures dont les compositions sont aussi éclatées, et noires que la réalité qu'il vit. Cette période marquera définitivement son oeuvre qui d'abord impressionniste, telle "La Nuit" qu'il peint en 1918, se veut être l'expression d'une nouvelle objectivité, mais qui   l'acheminera ensuite vers une oeuvre expressionniste jusque dans les années 1925 où il expose à Mannheim, aux côtés d'Otto Dix, Christian Schad, et de Georg Grosz.

A partir de ces années, Max Beckmann vient à plusieurs reprises en France, afin de pouvoir exposer  et de se faire connaître dans la capitale européenne de la culture qu'est Paris à cette époque. Il s'y installe en 1929, et se voit reconnu en 1931 par une grande exposition à la Galerie de la Renaissance à Paris. C'est alors une véritable émulation créatrice qui l'habite par rapport à la célébrité de  Picasso, Matisse, Fernand Léger, Georges Braque ou Georges Rouault, dont il s'inspire, et qui lui permet d'accèder à la reconnaissance également en Allemagne, par l'exposition qui lui est consacrée à la Nationalgalerie de Berlin en 1932.
Son premier triptyque "Le Départ" peint en 1933  et présenté quelques années plus tard en face du "Guernica" de Picasso au MoMA de New York, confirme sa notoriété et marque son engagement face à la situation politique de l'Allemagne. Mais après avoir été condamné comme artiste "décadent" par la propagande nazie à l'égal de Klee, Kokosckha, Ernst, Picasso, Dix, ou encore Nolde ou Kirchner, il émigre aux Pays-Bas en 1937 et écrit des articles sur le rôle spirituel de l'artiste, sur le génie solitaire, hors du temps et des événements publics. Son triptyque "La Tentation "de 1937 exprime l'évolution de son point de vue et cette nouvelle vision sur le rôle de l'artiste. Réfugié à Amsterdam, il peint la plupart des triptyques qui contribueront ensuite à sa renommée dans lesquels il peint le réel mêlé à l'allégorie, le spectacle de la vie ordinaire mêlé à la fantasmagorie.
Mais son expression artistique montre également l'influence qu'exercent les peintres français de l'époque sur son oeuvre, dont l'atmosphère dure, noire et sombre, évolue vers une certaine gaieté, une joie de vivre et une sensualité qui l'achemine vers des oeuvres symboliques telles que le "Triptyque des Argonautes", vers la fin de sa vie. Nommé à un poste d'enseignant à Saint Louis dans l'Etat du Missouri aux Etats Unis, il meurt quelque temps après à New York en 1950.
Cette exposition qui s'ouvre sur un autoportrait de l'artiste retrace l'itinéraire artistique de Max Beckmann, au travers les étapes successives de son oeuvre tout en s'arrêtant aux diverses thémes et engagements qui la traversent.

Illustration : Max Beckmann : " Autoportrait " ©

ITALIE

NAPLES : Museo di Capodimonte
" Paul Gauguin à Pont-Aven "
Du 16 octobre au 8 janvier 2004

C'est à partir des années 1860, que le petit village breton de Pont-Aven se fait connaître, avec la présence de plus en plus fréquente de peintres et d'artistes étrangers, mais aussi français, tous autant attiré par le charme, la lumière et l'exotisme de la Bretagne, que par la recherche de nouveaux motifs d'inspiration dans les paysages et dans les modes de vie simple des habitants à l'époque dans cette région.
C'est en juillet 1886, après un voyage au Danemark, que Paul Gauguin (1848-1903 ) découvre à son tour Pont-Aven, et le village du Pouldu, attiré par la réputation de la région, dans lequel résident déjà régulièrement près d'un centaine de peintre durant les beaux jours chaque année, accueillis chez l'habitant ou répartis entre les diverses auberges et hôtels des environs.
Il y rencontre des artistes tels Charles Laval, Henri Delavallée avec lesquels il se lie d'amitié, et partage une vision impressionniste de la peinture.

ll revient à Pont-Aven en début 1888, date à laquelle, il écrit à un ami, Emile Schuffenecker : " J'aime la Bretagne. J'y trouve le sauvage, le primitif. Quand mes sabots résonnent sur le sol de granit, j'entends le ton sourd, mat et puissant que je cherche en peinture".
C'est durant l'été de la même année qu'il rencontre Emile Bernard, période charnière et décisive dans l'oeuvre de Gauguin, avec lequel il travaille et invente une technique baptisée  le "synthétisme". Il s'agit de traiter les sujets de manière à ne pas s'en tenir à la simple reproduction détaillée des paysages ou des personnages, mais de peindre de mémoire, pour ne retenir que l'essentiel des scènes selon un assemblage de couleurs posées par aplats, sans convention de composition ou de perspective. C'est un traitement symbolique du thème dans une nouvelle expression esthétique qui est recherchée.
Une oeuvre telle que " La Vision du Sermon" concrétise cette période essentielle dans son oeuvre et qui sera lune des premières étapes de la naissance de ce que lon appellera ensuite "lart moderne".
Ce mode de travail séduira immédiatement de jeunes peintres tels que Jourdan, Charles Filiger, ou dautres qui feront évoluer ces recherches, comme Henry Moret, Chamaillard ou Maufra, ou encore Lacombe et Paul Sérusier, lesquels donneront naissance peu après au Groupe de Nabis.
Paul Gauguin reviendra encore en 1889 et 1890, puis une dernière fois en 1894, non pas à Pont-Aven, trop fréquenté pour lui, mais dans le village plus retiré en bord de mer du Pouldu, où il s'installera dans l'auberge de Marie Henry, dont il décorera la salle à manger.
"L'Ecole de Pont-Aven " qualifiera l'ensemble des peintres qui auront fréquentés Paul Gauguin sur place à cette époque où qui auront été influencés par ses recherches, avant qu'il ne parte pour l'Océanie en 1895.
Cette exposition, organisée dans le cadre du centenaire de la mort de Paul Gauguin, est la plus imortante jamais réalisée sur ce thème en Italie. Ce sont en effet près de 80 peintures qui sont présentées ici, de Paul Gauguin et d'artistes de Pont-Aven accompagnées de 26 dessins, afin de mieux percevoir sa démarche créatrice et celle des différents artistes qui l'auront cotoyé. Des estampes montrent également le talent de certains graveurs comme Seguin, Delavallée, OConor ou Maufra dans lapplication en gravure des innovations de Paul Gauguin et d'Emile Bernard. Des céramiques, des sculptures des meubles sculptés par Gauguin lui même, illustrent l'influence qu'il aura eu également dans les diverses recherches
d' artistes tels par exemple  Lacombe ou Ernest Ponthier de Chamaillard.

Illustration : Paul Gauguin : " La Vision du Sermon ou La Lutte de Jacob avec l'Ange "  1888 - Huile sur toile
73 x 92 cm © National Gallery of Scotland - Edimbourg
(LMDA)

ITALIE

VENISE : Palazzo Grassi
" Les Pharaons à Venise "
Du 9 septembre au 25 mai 2003

Toute l'Egypte Pharaonique, soit plus de 3000 ans d'histoire, se trouve représentée dans cette exposition qui vient de s'ouvrir dans les murs du superbe Palazzo Grassi. Au travers un parcours thématique qui retrace les différentes étapes de l'histoire égyptienne, ce sont tous les pharaons qui sont ici réunis pour la première fois, représentés par plus de 300 objets, dont certains jamais vus en Europe.
Le public redécouvre ici la richesse à nulle autre pareille de la civilisation égyptienne au travers les fonctions royales des pharaons dans l'exercice de leur pouvoir, mais aussi dans les aspects de la vie quotidienne, avec les intrigues, les complots de la cour, comme dans les aspects fastueux de leur vie, des cérémonies, et de leur mise au tombeau.

Depuis Semerkhet de la 1ère dynastie à Toutankhamon de la XVIIIème dynastie, de Ramsès II de la XIXème dynastie à Cléopâtre à la dynastie lagide, on retrouve tous les grands moments de cette histoire, en passant par Chéops, Aménophis, Akhenaton, Touthmôsis et la reine Hatshepsout,  Le "Nouvel Empire", de 1550 à 1069 avant J.C. couvrant la période allant de la XVIIIème à la XXème dynastie, est l'époque la plus développée de l'exposition, car elle est celle de l'apogée des pharaons, avant que l'Egypte ne se divise et ne commence sa lente décadence .
Elle nous rappelle ce que furent les dieux et les déesses de l'Egypte, les emblèmes de la royauté pharaonique, et nous fait entrer dans le monde des mythes du cycle d'Osiris et des Dieux égyptiens,  tout en retraçant une histoire de l'Egypte antique qui demeure mystérieuse, malgré les innombrables découvertes faites depuis le décryptage de la pierre de Rosette en 1822 par Champollion.
On est également amener aussi à découvrir le pouvoir important des femmes auprès des pharaons, qu'elles soient mère, soeur, fille ou épouse, comme  Nefertiti, ou de reines telles que Néfertari, Hatchepsout ou encore Cléopâtre. On découvre également comment le pharaon Aménophis IV, et la reine Néfertiti en voulant hiérarchiser les dieux et la religion sous la suprématie du dieu Soleil, inaugurent le premier monothéisme de l'histoire de l'humanité, mais déclenchent une véritable révolution religieuse dans l'Egypte antique.

La plupart des objets, des papyrus et des sculptures rassemblés ici proviennent du Musée du Caire, et du Musée du Louvre à Paris, mais certaines pièces en provenance d'autres musées, telles que le trésor des trois épouses de Touthmôsis III, qui est conservé au Métropolitan Museum of Art de New-York, n'ont jamais été vues dans aucune exposition en Europe.

Illustration : Séthi Ier et Hathor XIX ème dynastie vers 1304 -1290 avant J.C ( détail) - Bas relief en calcaire
H : 226  cm L : 105 cm © Musée du Louvre Paris

AMSTERDAM : Van Gogh Museum
" Le choix de Vincent "
Du 14 février au 15 juin 2003

Cette exposition rend hommage à Vincent Van Gogh, né un 30 mars 1853, pour l'occasion du 150ème anniversaire de sa naissance, au travers un choix de quelques 200 oeuvres de maîtres anciens, ou de peintres qui furent ses contemporains, et qui l'inspirèrent tous dans son oeuvre .
Il s'agit là de réunir le "musée imaginaire" des artistes pour lesquels Vincent Van Gogh, vouait une véritable admiration, en commençant par Jean-François Millet, dont "Le Semeur" réalisé en 1850, lui servit de nombreuses fois de modèle.
L'exposition montre ainsi les rapprochements qu'il y a lieu de faire par exemple entre son " Boulevard de Clichy"  et celui de Paul Signac, ou encore  sa "Nature morte avec cafetière" et "La Cafetière bleue" d'Emile Bernard, pour souligner le génie qui fut le sien à pouvoir se libérer totalement de l'inspiration de ses maîtres : Rembrandt, Delacroix, Toulouse Lautrec, et Gauguin .

Le parcours de l' exposition suit une ligne thématique et chronologique, dans la nouvelle aile du Musée, qui permet de revoir des oeuvres de Rembrandt et de Ruisdael, ou encore de Gérôme et Delacroix, de Toulouse-Lautrec et de Gauguin, qui, influèrent sur l'inspiration de Van Gogh.
Au travers les thèmes dominant dans les références de l'artiste que sont : "Jeunesse", "Religion", "Nature et Vie paysanne"   "le Rijksmuseum d'Amsterdam", "le Musée Fabre de Montpellier", "Japon", "Couleur et lumière", "l'Atelier", le visiteur suit ce que sont ses sources, ses émotions, ses étonnements.
Ainsi les "Blanchisseries d'Overveen" de Jacob van Ruisdael et les "Trois moulins à vent" de Georges Michel, qui représentent des étendues sous de lourds ciels nuageux, inspirent le "Champ de blé sous un ciel nuageux", de Vincent.
"Le Portement de croix" de Rubens, lui inspire "Tête de femme" en 1885 dans laquelle les contours disparaissent au profit de la couleur utilisée pour souligner la force des traits, "l'Autoportrait" de Rembrandt de 1669, le conduit à son "Autoportrait en peintre " de 1888.
Vincent Van Gogh, jusqu'à sa mort, le 29 juillet 1890, à Auvers-sur-Oise, indiquera dans les 750 lettres adressées à son frère Théo le goût qu'il conservera toujours pour   la littérature, Dickens, Carlyle, Daudet, Hugo, Zola, sont parmi ses écrivains préférés, et pour l'art avec la mention de plusieurs centaines d'oeuvres, tableaux, dessins, gravures, sculptures, peintures murales, d'artistes les plus divers.

Illustration : Vincent Van Gogh  :  " Autoportrait " 1888 - Huile sur toile © Fondation Vincent Van Gogh  Amsterdam

Pour en savoir plus

(LMDA)

LEYDE : Musée National des Antiquités
" Sources d'inspiration de la Syrie Ancienne "
Jusqu'au 9 mars 2003

La culture européenne prend sa source au coeur du Moyen Orient. Tous les ancêtres des grandes religions vivaient là, ainsi que les plus grands inventeurs, ceux de la roue, ou ceux de l'écriture.
Durant des siècles, la religion, la politique, l'art, les sciences, l'agriculture, le commerce, se sont développés dans la Syrie ancienne.
Les archéologues n'ont de cesse de poursuivre leurs fouilles chaque année dans les différentes régions de la Syrie, tant ce pays révèle la présence de trésors dus à la richesse de son histoire.

La Syrie est occupée d'abord par les Cananéens, dont les Phéniciens sont une branche, puis par les Amorrites, les Hourrites, les Araméens. Le pays est ensuite conquis par Cyrus qui met fin à la domination assyro-babylonienne, puis par Alexandre en 332 av. J.C., puis ensuite par les Romains, avant que d'être rattaché à l'Empire d'Orient.
Il est conquis à nouveau par les Arabes vainqueurs des Byzantins, dont les Omeyyades font du pays et de Damas entre 661et 750, le centre de l'Empire musulman. Les Abbassides, délaissent ensuite la pays pour faire de Bagdad, la capitale de l'Empire, alors que les Turcs conquièrent à partir de 1076 toute la région, puis Damas et vont jusqu'à Jérusalem, avant que de se trouver confrontés aux Croisés de la chrétienté qui fondent Antioche et le Royaume de Jérusalem de 1099 à 1291. Le pays est ensuite repris par les Mamelouks qui parviennent à chasser les Francs et qui dominent le pays jusqu'en 1516, avant qu'il ne tombe entre les mains de Ottomans qui conserveront la Syrie ensuite jusqu'en 1918.
Cette exposition couvre ainsi une période qui remonte à 1 million d'années, mais avec de nombreux objets présents qui remontent au IIème millénaire avant Jésus Christ, jusqu'au XVIème siècle de notre ère. Dans une superbe présentation, le visiteur peut découvrir une somptueuse collection d'objets, comprenant de nombreuses statues, des bas reliefs funéraires de Palmyre, de précieux bijoux en or, des ustensiles, des armes, un remarquable masque de soldat en argent, unique en son genre, des mosaïques, et la plus ancienne partition de musique jamais retrouvée, gravée sur une tablette en argile.

Illustration : Casque avec masque en argent. 50 av.J.C. © Musée National de Damas

MARTIGNY : Fondation Pierre Gianadda- Vieil Arsenal
"Léonard de Vinci, l'inventeur"
Du 12 avril au 2 novembre 2003

De très nombreux dessins, des manuscrits de Léonard de Vinci, prêtés par la Bibliothèque de l'Institut de France ont pu être réunis, et dont certains sont présentés pour la première fois illustrent cette exposition à laquelle de nombreux musées, institutions ou collections particulières du monde entier ont contribué également par le prêt de croquis, d'esquisses, de schémas, ou de pages de carnet, qui permettent de voir au plus près les travaux de recherches réalisés par ce grand génie. Car Léonard de Vinci  (1453 -1519), fut sans doute le plus grand génie de toute la Renaissance.

C'est dans le contexte d'une rupture avec l'Antiquité classique, et le développement du commerce, et des sciences, que  Léonard  de Vinci curieux de tout ce qui l'entoure, de la nature, des animaux, des hommes, artiste, mais aussi chercheur, inventeur, ingénieur, technicien, médecin, musicien, pense reconnaître dans la nature un plan scientifiquement défini et exécuté. Son but est alors d'utiliser la recherche et les sciences pour comprendre et expliquer les phénomènes dans tous les domaines. Il entreprend des études géométriques et mathématiques, des recherches sur la physique et la mécanique, s'interesse à l'astronomie, à l' anatomie et à la mécanique humaine, réalise des dessins d'anatomie, des études de musculture, sans notions autres que celles de l'observation, il dessine l' "Arbre des veines" qui montre l'emplacement du coeur, des poumons et des principales artères dans le  corps de l'homme. Il dessine égelement de nombreuses des études de visages, mais aussi des portraits aux délicats traits de Madone, jusqu'à des séries de portraits grotesques et de caricatures.
Il s'interesse aussi en tant qu'inventeur aux techniques permettant de transformer le mouvement rotatif en un mouvement de va-et-vient, qui constitue l'élément technique majeur pour le fonctionnement d'une machine. Il étudie les engrenages, les roues, les manivelles, les palans, mais aussi les machines hydrauliques, les mécanismes d'horlogerie, les ponts, les machines à hélice, les schémas d'artillerie, les machines de guerre. Il s'interesse encore à l'architecture , à la peinture, aux portraits, aux scènes de batailles  aux études d'animaux. Un véritable esprit universel.
Cette présentation permet de retracer toute la vie, et l'oeuvre de Leonard de Vinci, né en 1453 dans la petite ville toscane de Vinci, non loin de Florence. Enfant naturel d'un notaire Piero de Vinci et de Caterina, une paysanne dont on ne conserve que le prénom, Léonard de Vinci décède en 1519 en France, où l'avait appelé François Ier.
Très tôt, le jeune Léonard qui montre de véritables dispositions pour le dessin. Réalisés de sa main gauche, il ne cesse de tracer, dessiner, de faire des esquisses, des croquis, qui montrent une immense capacité à l'observation. Dessinant à la mine de plomb, au charbon, à la craie, à l'encre, il aura sa vie durant, rempli des feuillets, des cahiers, des pages et des pages de dessins, accompagnés d'une écriture aux lignes serrées, écrites de droite à gauche.

Aujourd'hui, il existe environ plus de 6.000 dessins de sa main ou de ses élèves, très souvent de petites dimensions, et il ne reste seulement que 15 toiles du peintre génial qu'il fût également dont la majorité se trouvent au Musée du Louvre à Paris : dont bien sûr " La Joconde", " La Vierge aux rochers, "La Belle Ferronnièrre, et encore "Sainte Anne", " La Vierge et l'enfant", " Bacchus et St Jean Baptiste". Cette importante exposition montre pour le 550ème anniversaire de sa naissance, comment ont évolués ces centres d'intérêts, sa réflexion tout au long de sa vie, par rapport à son époque, et cette volonté quasi encyclopédique qui fut la sienne au travers son oeuvre.

Illustration : Léonard de Vinci : " L'Homme Vitruvien " vers 1490  Dessin ©  Academia Venise

GENEVE : Musée d'Art et d'Histoire
" Voyages en Egypte.
De l'Antiquité au début du XXème siècle"
Du 16 avril au 31 août  2003

Le Musée d'Art et d'Histoire de Genève possède le fonds égyptien le plus riche de Suisse. Cest dans la perspective dune nouvelle muséographie de sa collection permanente que le Musée propose cette superbe exposition.
En Suisse et à Genève comme dans toute lEurope, la fascination pour lEgypte date de toujours. Le culte dIsis dans lAntiquité, avait pénétré le monde romain, les pèlerins chrétiens dès le Moyen-Age avaient visité toutes les régions du Proche-Orient, avec la Renaissance, le goût pour lantique avait également contribué à développer l'intérêt de l'Europe sur la culture égyptienne.

Cest évidemment avec lexpédition de Bonaparte en Egypte, en 1798-1799, qu'une véritable passion pour l'antiquité pharaonique se développe, mais également pour tout ce qui se rapporte à se ce pays, non seulement son histoire son histoire, mais aussi sa géographie, sa faune, sa flore, ses habitants.
Cett époque dite de "lEgypte des Consuls", avec les Français dune part, les Anglais dautre part, contribue à dépouiller le pays de ses trésors avec des équipes daventuriers qui fouillent, de façon totalement désorganisée les sites historiques pour constituer des collections vendues aux musées européens, et américains.
La Suisse fait partie également de ces pays acquéreurs d'objets, de figurines représentant Isis, de sarcophages, de masques mortuaires, de bijoux, de momies de chat, doiseau ou de crocodile.
Cette exposition rassemble ainsi une vaste collection d'objets en provenance des tombeaux et des sites pharaoniques égyptiens, mais elle présente également une importante collection de livres et d'éditions consacrées à l'Egypte, dont en en particulier deux des éditions de la mythique "Description de lEgypte", recueil de notes et de dessins relevés par lexpédition de Bonaparte, publiés en 1809 et 1828. Elle présente également un manuscrit de Champollion, qui, en 1826, vint à Genève pour y réaliser le catalogue du "Musée Académique".
L'exposition se poursuit avec une salle où sont rassemblées de nombreux dessins reproduisant parfois de manière fantaisistes une Egypte ancienne imaginaire, ou des toiles tableaux d'artistes académiques de peintres vaudois tels que Louis-Auguste Veillon ou Charles Gleyre.

Illustration : François Edouard Picot - " L'Etude et le Genie des Arts dévoilant l'Egypte à la Grèce " 1827 - Plafond peint ©

MARTIGNY : Fondation Pierre Gianadda
" De Picasso à Barceló"
Du 31 janvier au 9 juin 2003

Soixante-dix toiles et sculptures du XXème siècle, réalisées par 18 artistes espagnols retracent dans cette exposition, de Picasso à Barceló, un siècle de peinture et l'histoire tourmentée d'un parcours à la recherche de la modernité, au travers la matière.
Le panorama de la création espagnole au XXème siècle, et le réseau des relations que les artistes ont établi entre eux et la modernité", montrent que l'art moderne espagnol, né à Paris au début du siècle ou né en Espagne quelques dizaines d'années plus tard, n'a jamais cessé d'être créatif, inventif et à l'avant garde du modernisme, y compris durant les années obscures de la dictature franquiste. Au travers ses diverses expressions, des tendances fortes se sont toujours dégagées pour traduire le goût pour la simplicité, le dépouillement, la matière abrupte, mais aussi pour  le mysticisme, ou le fantastique, selon une ligne existant déjà au travers les siècles antérieurs, et en particulier chez Goya.

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L'objectif de cette exposition est de mettre en lumière le rôle essentiel joué par les artistes espagnols dans l'éclosion de l'art moderne, et de montrer une permanence dans l'évolution des formes. Elle met également en relief  le rôle majeur et récurrent sur plusieurs générations de deux des plus grands artistes que furent Pablo Picasso et Joan Miro, qui influèrent à différentes époques l'évolution d'une grande partie de l'art du XXème siècle, non seulement en Espagne, mais également dans le monde.
Après les oeuvres mettant en évidence  les "avant-gardes historiques" de Picasso, Juan Gris, Dali, et Miró, l'exposition  met en valeur également les oeuvres des artistes de la guerre civile. C'est ainsi que des oeuvres telles que la "Crucifixion rouge" d'Antonio Saura, faite de coups de pinceau violents, exprime la souffrance et la destruction de la chair, ou encore les toiles de sac déchirées aux fibres sanglantes de Manolo Millares, traduisent les hantises des artistes de cette époque.
Antoni Tàpies, travaille lui, la matière, les terres et les sables, qui dans un tableau comme  "Vision première", représentant un corps replié sur lui-même, va dans le sens d'une recherche identique du modernisme.
Dans la présentation d'une période ultérieure où l'influence du Pop Art se fait sentir en Espagne, comme partout ailleurs, puis par la présentation d'oeuvres de trois artistes contemporains, tels José Maria Sicilia, Juan Munoz, ou Miguel Barcelo, l'exposition montre les liens que ces artistes entretiennent avec la matière. José Maria Sicilia, travaille par exemple les cires, matière plus ou moins transparente. Juan Munoz, de son côté travaille les résines de polyester, tandis que  Miguel Barcelo, qui passe de longs séjours en pays Dogon au Mali, représente avec puissance la crucifixion d'une chèvre au travers une exploitation de la matière, ou un " matiérisme" dans une logique permanente bien particulière à l'art espagnol.

Illustration :  Antonio Saura : " Grande Crucifixion Rouge et Noire "  1963  Huile sur toile 195 x 245  cm  
© Musée Boymans Rotterdam  © ADAGP, Paris.

SUISSE

BALE RIEHEN: Fondation Beyeler
" Ellsworth Kelly :  oeuvres 1956 - 2002 "
  Du 15 septembre au 19 janvier 2003

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La Fondation Beyeler présente ici la première exposition personnelle des peintures et des sculptures de l'artiste américain Ellsworth Kelly jamais réalisée en Suisse. Né le 31 mai 1923, à Newburgh dans l' État de New York aux Etats Unis, il est considéré comme lun des plus grands artistes américains daprès guerre, et l'un des artistes les plus originaux de ces 30 dernières années par son art particulier caractérisé par un style et langage pictural abstrait réduits à la plus extrême simplicité.

Après ses études primaires, il entre au Pratt Institute de Brooklyn à New York, pour y faire des études sur l'art de 1940 à 1942. Il fait son service militaire en France, et reprend ses études sur l'art qui l'amènent à une première exposition collective en 1948 à la Boris Mirski Art Gallery de Boston.
Il sinstalle peu après à Paris où il suit les cours de lÉcole des Beaux-Arts en réalisant alors ses premières oeuvres objets telles " Window "en 1949, mais en composant aussi des collages, des reliefs, des lithographies et des travaux sur du bois découpé.
Il réalise "Colors for a Large Wall" en 1951, avant de revenir aux Etats- Unis en 1954, où il réalise une première exposition personnelle à la Betty Parsons Gallery de New York.
Suite à des commandes, il crée à cette époque des oeuvres de métal qui sont destinées à être intégrées dans des architectures, mais il crée aussi des sculptures en aluminium peint et il commence à partir de 1957 également et en parralèle à s'interreser aux dessins de plantes dont les motif végétaux  lui servent de modèles dans ses recherches des formes les plus abstraites.

De 1963 à 1968, il fait de longs voyages dans différents pays européens, participe à la 33e Biennale de Venise en 1966, et   s'installe à nouveau en 1970 aux Etats-Unis. Les premières grandes expositions de ses oeuvres peintes commencent en Europe à partir de 1979, d'abord au Stedelijk Museum dAmsterdam, à la Hayward Gallery de Londres, au Musée National d'Art Moderne Georges Pompidou, à Paris, et à la Staatliche Kunsthalle de Baden-Baden, période à partir de laquelle lartiste se fait connaître en transgressant les limites du tableau de chevalet pour envahir lespace du mur et du sol.

Et c'est en 1982 que ses sculptures font l'objet d'une grande exposition au Whitney Museum of American Art de New York.Il revient en Europe entre les années 1984 et 1990, et réalise sa première sculpture de sol peinte intitulée "Yellow Curve " au Portikus de Francfort-sur-le-Main en Allemagne.
En 1992, une grande exposition intitulée « Ellsworth Kelly. The Years in France, 19481954 » lui est consacrée à la Galerie Nationale du Jeu de Paume de Paris, et en 1996 , le Musée Solomon R. Guggenheim de New York inaugure une grande rétrospective qui présente ses 50 années de création, exposée ensuite à la Tate Gallery de Londres et au Haus der Kunst de Munich. En 1999, le   Kunstmuseum de Winterthur organise aussi une importante exposition consacrée à ses dessins de jeunesse de 1948 à 1955. Il réalise en 2001 " Blue Black " pour linauguration du Musée de la Pulitzer Foundation for the Arts à St. Louis et de nombreuses autres expositions en Europe et aux États-Unis lui sont consacrées. Ses études intitulées " Tablet 19481973 " sont présentées au Drawing Center de New York et au Musée des Beaux-Arts de Lausanne. Et la Fondation Beyeler lui commande une sculpture pour le parc du musée qu'il baptise "White Curves". Une exposition lui est également consacrée au printemps 2002 au Centre Pompidou à Paris, sur le thème des dessins de plantes, au côté des oeuvres de Matisse.
Ellsworth Kelly qui vit et travaille depuis 1970 à Spencertown, au nord de l'État de New York explore parallèlement depuis les année 50 les domaines de la peinture et de la sculpture. Cette exposition se concentre sur les principales impulsions que ces deux genres ont données à son oeuvre.

Illustration : Ellsworth Kelly  : " White Curves " 2001   © Fondation Beyeler  Bâle Riehen